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Ettore Scola a Palazzo Braschi: l'ultimo testimone dell'anima italiana

Thu, 30 Apr 2026 12:41:31 GMT

"Ettore Scola. Non ci siamo mai lasciati".

Dal 2 maggio al 13 settembre 2026 .

Presentata alla stampa in Roma il 30 aprile 2026 a Palazzo Braschi la mostra "Ettore Scola. Non ci siamo mai lasciati" , una presentazione ufficiale ricca di emozione. L'esposizione celebra il decennale della scomparsa del regista, offrendo un percorso immersivo nella sua eredità creativa e umana.
Dedicata a uno dei giganti del nostro cinema, non è solo un’esposizione, ma un viaggio nell’officina creativa di un uomo che ha saputo leggere l’Italia come nessun altro, un evento che celebra il genio del regista.

L'incontro, introdotto e coordinato dalla giornalista del Messaggero Gloria Satta , ha visto la partecipazione delle figure chiave che hanno reso possibile questo tributo.

Ad aprire gli interventi è stato l'Assessore alla Cultura di Roma Capitale Massimiliano Smeriglio , che ha sottolineato il valore civile e poetico del cinema di Scola.

Ilaria Miarelli Mariani (Direttrice Musei Civici) ha illustrato l'importanza di ospitare l'esposizione in una sede prestigiosa come Palazzo Braschi, mentre i curatori Alessandro Nicosia e Silvia Scola (sceneggiatrice, regista e scrittrice figlia del celebre regista) hanno raccontato il meticoloso lavoro di ricerca tra gli archivi privati. Un momento di grande emozione è stato il ricordo di Giulio Scarpati , che ha condiviso aneddoti personali sulla generosità e l'ironia del Grande Maestro .

In un panorama cinematografico odierno spesso dominato da effetti visivi e ritmi frenetici, la mostra di Palazzo Braschi ci ricorda l’importanza capitale della sceneggiatura . Per Scola, la scrittura era l’architettura del mondo: ogni battuta era un bisturi destinato a incidere la realtà. La sua è stata un'eredità unica, fatta di una sagace e caustica ironia che non serviva mai a deridere, ma a comprendere i vizi e le virtù di una società in perenne mutamento. Scola non è stato solo un regista, ma un osservatore implacabile che ha saputo trasformare la commedia in uno strumento di indagine sociologica, lasciandoci un tesoro di storie che sono, a tutti gli effetti, la nostra biografia collettiva.

Il percorso espositivo è disseminato da oggetti e ricordi che faranno la gioia degli appassionati. Non mancano i riconoscimenti ufficiali — una pioggia di premi e statuette che testimoniano una carriera mondiale — ma sono gli oggetti quotidiani a colpire nel segno:

Il celebre maglione con la sciarpa, "divisa" d'ordinanza di un’eleganza mai ostentata.
I suoi celebri occhiali.
Le macchine da scrivere, incudine su cui sono stati forgiati capolavori come Una giornata particolare.
I numerosi bozzetti e disegni, che ricordano le sue origini come vignettista al Marc'Aurelio e la sua abitudine di "disegnare" i film prima di girarli.

Visitare questa mostra non significa solo celebrare il passato. Significa immergersi in una lezione di stile creativo e di pensiero artistico a tutto tondo. Concludere il percorso tra le scenografie e gli appunti di Scola lascia un senso di gratitudine, quella per un Maestro che ci ha insegnato che si può essere ironici talvolta feroci senza smettere di essere umani.

Andare a Palazzo Braschi non per vedere una mostra, ma per ritrovare se stessi, la propria cultura, il passato e il presente, attraverso i racconti della storia, delle famiglie e delle contraddizioni, riflessi nello sguardo limpido di un uomo che, in fondo, non ci ha mai lasciati.

"Ettore Scola. Non ci siamo mai lasciati" è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale che, attraverso materiali iconografici inediti e testimonianze – tra cui quelle di Fanny Ardant, Giuseppe Tornatore e Dacia Maraini – ripercorre le origini, il percorso artistico e l’eredità di un autore che ha saputo raccontare, con sensibilità e intelligenza, il nostro Paese.

La mostra, promossa da Roma Capitale , Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria di Roma Capitale , Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali , e curata da Silvia Scola e Alessandro Nicosia , è organizzata e realizzata da C.O.R. Creare Organizzare Realizzare , con il supporto organizzativo d i Zètema Progetto Cultura . Sono inoltre presenti materiali di Rai Teche , dell’ Archivio storico Luce e prestiti della Collezione Studio EL – Cinecittà S.p.A.

"Ettore Scola. Non ci siamo mai lasciati".

Dal 2 maggio al 13 settembre 2026

al Museo di Roma a Palazzo Braschi

Piazza di San Pantaleo n° 10, 00186 Roma

Informazioni Tel. 060608

L'Anima Sospesa di Jack Vettriano: Un Valzer d'Ombre, colori e sensualità a Palazzo Velli

Tue, 21 Apr 2026 13:57:43 GMT

Il Jack Vettriano: sensualità, nostalgia e mistero di uno degli artisti più celebri del panorama contemporaneo.

C’è un momento preciso, tra il tramonto e l’accensione dei lampioni, in cui Roma smette di essere marmo e diventa desiderio. È in questo crepuscolo dell'anima che si inserisce la mostra di Jack Vettriano a Palazzo Velli , un incontro quasi fatale tra l'eleganza decadente di Trastevere e quel realismo romantico che ha reso il pittore scozzese il poeta degli sguardi mancati.

Attraversare le sale del Palazzo, tra oltre ottanta opere che ripercorrono una carriera fatta di audacia e malinconia, non è solo una visita museale; è un atto di voyeurismo sentimentale.

La Poetica dell'Intervallo:

Vettriano non dipinge azioni, ma pause. Le sue tele sono fotogrammi di un film noir di cui abbiamo perso l'inizio e non conosceremo mai il finale. In mostra, capolavori come "The Singing Butler" ci ricordano che la bellezza è un atto di resistenza: una coppia danza sulla battigia mentre il vento piega gli ombrelli dei domestici. Non è solo un ballo; è la sfida di chi decide di splendere anche sotto un cielo uggioso, cullato da una melodia che solo l'immaginazione può sentire.

Il percorso espositivo ci guida attraverso rituali privati e sogni ad occhi aperti: in ...

- "Night Time Rituals": dove la preparazione al buio diventa una cerimonia di seduzione e solitudine.

- "Dance Me to the End of Love": Jack Vettriano tocca probabilmente l'apice del suo romanticismo cinematografico. Il titolo è un omaggio diretto alla celebre canzone di Leonard Cohen, e il dipinto ne cattura perfettamente l'essenza: un mix di passione, devozione e quel senso di "ultima danza" prima che il mondo cambi.

- "The Billy Boys": non è solo un dipinto, ma un manifesto del "Vettriano-style": un mix di fascino retrò, mistero e un’eleganza un po’ pericolosa che continua a sedurre il pubblico a distanza di decenni.

- "Cafe Days": un omaggio a quella sospensione del tempo tipica dei pomeriggi passati a guardare il mondo passare oltre una vetrina, con un caffè ormai freddo e troppi pensieri nel cuore.

 Un Dialogo tra Roma e la Scozia.

Vedere queste opere tra le mura storiche di Palazzo Velli crea un contrasto magnetico. Mentre fuori Roma urla la sua bellezza eterna, dentro regna la malinconia soffusa dell'artista scozzese, recentemente scomparso, che ha saputo mescolare le sue radici operaie con il glamour cinematografico. Opere come "The Last Great Romantic" sembrano quasi un autoritratto ideale, un manifesto di chi ha scelto di restare fedele al sentimento in un'epoca di cinismo.

"Le opere di Vettriano sono come canzoni jazz ascoltate a notte fonda: sanno di fumo, di pioggia sull'asfalto e di cuori che battono a un ritmo irregolare."

Perchè visitare questa mostra.

Oltre agli oli storici, la mostra regala l'intimità del suo processo creativo attraverso gli scatti di Francesco Guidicini, che ritraggono l'artista nel suo studio, circondato dai suoi fantasmi e dalle sue muse.

Non cercate qui la tecnica fredda o l'astrazione concettuale. Venite a Palazzo Velli se avete ancora voglia di commuovervi davanti a un'ombra portata o a un abito di seta che scivola piano. Venite se credete che la seduzione sia un'arte fatta di sottrazione.

In un mondo che corre troppo veloce, Vettriano ci costringe a fermarci sul ciglio di un’emozione, a chiederci chi siano quegli amanti misteriosi e se, in fondo, in quel riflesso non ci siamo proprio noi, eternamente in bilico tra un addio e una promessa.

Luogo: Palazzo Velli, Piazza di Sant'Egidio 10, Roma.
Opere: Oltre 80 lavori, inclusi dieci oli e serie esclusive su carta museale.
Fino al: 5 Luglio 2026.

Dieci anni di eccellenza, 22 protagonisti ricevono da Igor Righetti l’“Alberto Sordi Family Award 2026”: “Il merito lascia il segno come faceva Zorro”

Sat, 18 Apr 2026 09:29:06 GMT

Il prestigioso riconoscimento, che ha conquistato anche Hollywood con quattro Premi Oscar nel suo albo d’oro, è stato assegnato - in una Casa del Cinema gremita anche di tantissimi giovani - agli attori e registi Simona Izzo, Ricky Tognazzi, Edoardo Leo, Daniel McVicar e Massimiliano Bruno, per la tv Carolina Rey, per la comicità Gabriele Cirilli, per la moda Anton Giulio Grande e Gianluca Isaia, Federico Mollicone per la cultura, Elisa Zambito Marsala di Intesa Sanpaolo per l’Education. E poi Rita Lofano, Incoronata Boccia, Gianfranco Zinzilli, Roberto Genovesi, Sergio Casagrande e gli imprenditori Roberto Capobianco, Elena Aceto di Capriglia, Loredana Arcangeli, Giuseppe Marchese e Antonio Valentino. Premio speciale a Massimo Bonelli. Un omaggio a Patrizia de Blanck.

La suggestiva Casa del Cinema di Roma, a Villa Borghese, gremita anche di tanti giovani per la decima edizione del Premio internazionale “Alberto Sordi Family Award 2026” , prestigioso riconoscimento, che ha conquistato anche Hollywood con quattro Premi Oscar nel suo albo d’oro come gli attori Helen Mirren e Colin Firth e i registi Taylor Hackford e Robert Moresco, evento diventato ormai di culto.

Ventidue storie di talento tra spettacolo, informazione, imprenditoria e cultura sono state premiate dal giornalista e conduttore Rai, cugino e biografo di Alberto Sordi, Igor Righetti, con l’ambito riconoscimento internazionale da lui ideato nel 2017 per omaggiare e ricordare la figura del grande attore attraverso la premiazione di personalità che si sono distinte per il loro talento, la loro professionalità e il loro impegno, contribuendo con il proprio lavoro alla crescita culturale e allo sviluppo dello spirito critico della società nel suo complesso.

Da quest’anno il Premio - un prezioso bassorilievo dorato realizzato dal maestro orafo Massimo Palombo di “Onivars” che rappresenta il vigile Otello Celletti, interpretato da Sordi nel 1960 - ha anche una sua versione nella Repubblica di San Marino, che si è svolta a marzo con il patrocinio della Segreteria di Stato al Turismo del Titano, e che ha avuto oltre 40 milioni di visualizzazioni sui social.

Il Premio, organizzato come sempre dalla società di comunicazione, social media marketing e grandi eventi “Loro Comunicazione”, con il patrocinio della Regione Lazio, della Calabria Film Commission e sotto gli auspici del presidente della Commissione Cultura della Camera dei deputati ha visto anche la presenza di decine di influencer. Media partner sono stati Forbes e SpotAndWeb.it. “Un ringraziamento speciale - dice Igor Righetti - va all’onorevole Fabrizio Santori, vice presidente della Commissione Roma Capitale, sempre presente nel ricordare Alberto Sordi”.

Il Premio internazionale “Alberto Sordi Family Award 2026” è andato:

all’attore e regista Edoardo Leo (Cinema-Recitazione e regia) premiato dall’avvocato e opinionista Tv Federica Candelise;

alla conduttrice televisiva, radiofonica e attrice Carolina Rey (Televisione) premiata dal giornalista, conduttore e autore televisivo Riccardo Trombetta;

allo stilista Anton Giulio Grande (Eccellenza nell’alta moda italiana) consegnato dalla vicedirettrice relazioni esterne e comunicazione Corporate della Rai Tiziana Ribichesu;

a Gianluca Isaia, presidente e amministratore delegato di Isaia (Eccellenza nella sartoria napoletana) premiato dal giornalista e organizzatore di eventi Fabrizio Pacifici;

al direttore dell'Agi (Agenzia giornalistica Italia) Rita Lofano, premiata dal direttore del quotidiano SpotAndWeb.it Mario Modica;

al presidente nazionale di Conflavoro - Confederazione nazionale piccole e medie imprese Roberto Capobianco (Eccellenza nella tutela delle Pmi) premiato da Igor Righetti;

alla giornalista e direttrice dell’Ufficio stampa Rai Incoronata Boccia (Giornalismo televisivo e Ufficio stampa) premiata dal direttore responsabile dell’agenzia di stampa “Askanews” Gianni Todini;

all’attore e regista Massimiliano Bruno (Cinema - recitazione e regia) premiato dalla critica televisiva Carmela De Rose;

agli attori e registi Simona Izzo e Ricky Tognazzi (Cinema - recitazione e regia) premiati dalla presidente di Artemisia Lab e della Fondazione Artemisia, Mariastella Giorlandino;

al presidente della Commissione Cultura della Camera dei deputati, on. Federico Mollicone (Politiche per la Cultura), premiato dal giornalista e componente del Consiglio di amministrazione del Parco archeologico del Colosseo Claudio Togna;

alla presidente di Medspa (brand Miamo e Nutraiuvens) Elena Aceto di Capriglia (Eccellenza nella cosmetica funzionale) premiata dalla giornalista e conduttrice di “Tg2 Storie” su Rai2, Adriana Pannitteri;

al comico, cabarettista e attore Gabriele Cirilli (Comicità) premiato dal maestro orafo Massimo Palombo di Onivars, autore del Premio;

all’attore Daniel McVicar (Cinema - recitazione) premiato da Tiziana Appetito, figlia del celebre fotografo di scena Enrico Appetito e curatrice dell’archivio storico che porta il suo nome e dal fotografo nonché proprietario di “Reporters Associati & Archivi” di Roma, Alessandro Canestrelli;

al direttore delle radio digitali, specializzate e Podcast Rai Gianfranco Zinzilli (Multimediale – Innovazione Radio e Podcast) premiato dall’influencer con oltre 1 milione di follower sui social, social media manager e speaker radiofonico Rai Lorenzo Castelluccio;

al direttore di “Rai Kids” Roberto Genovesi (Intrattenimento e Tv dei ragazzi) premiato dalla fondatrice di “UnoItalia Tv - la prima Tv in Svizzera per gli italiani nel mondo, Gina Azzato;

al direttore generale di “Originaltour” Loredana Arcangeli (Eccellenza nel turismo internazionale) premiata dai titolari e fondatori della società di pet food e pet care “PuraNatura”, Elisabetta e Nicola Dalla Grana;

al direttore del “Corriere dell’Umbria” e dei quotidiani del Gruppo Corriere Sergio Casagrande (Informazione - Quotidiani regionali) premiato dall’editore dell’agenzia di stampa “Primapress” Pasquale Alfieri;

al Ceo del Gruppo alberghiero RHC Giuseppe Marchese (Eccellenza italiana nell’ospitalità di lusso) premiato da Igor Righetti;

all’imprenditore Antonio Valentino (Eccellenze d’Italia – Imprenditoria);

alla responsabile della Direzione Education Ecosystem and Global Value Programs di Intesa Sanpaolo Elisa Zambito Marsala (Education) premiata dal dottore commercialista e docente al Master per le professioni economico-contabili dell’Università Tor Vergata di Roma Carlo Maria Bolzan.

Il Premio Speciale “Amico di Alberto Sordi” per la Direzione artistica e la produzione culturale è stato assegnato al manager, produttore, editore e consulente musicale Massimo Bonelli consegnato da Carmela De Rose.

Le targhe “Amici di Alberto Sordi” del maestro orafo Michele Affidato

Targhe “Amici di Alberto Sordi” realizzate dal maestro orafo Michele Affidato - con un’emozionante e inedita immagine fuori dal set del film “Il Marchese del Grillo” scattata dal fotografo di scena Enrico Appetito - sono state assegnate ai giornalisti e autori televisivi Tommaso Martinelli e Luigi Miliucci, a “Forbes” ritirato da Alice Iadecola, al direttore dell’agenzia di stampa “Askanews” Gianni Todini, alla giornalista e conduttrice di “Tg2 Storie” su Rai2 Adriana Pannitteri, alla critica televisiva Carmela De Rose, ai titolari e fondatori della società di pet food e pet care “PuraNatura” Elisabetta e Nicola Dalla Grana, al direttore del quotidiano “SpotAndWeb.it” Mario Modica, al giornalista e organizzatore di eventi Fabrizio Pacifici, al dottore commercialista e docente al Master per le professioni economico-contabili dell’Università Tor Vergata di Roma Carlo Maria Bolzan; al giornalista e componente del Consiglio di amministrazione del Parco archeologico del Colosseo Claudio Togna, il manager e presidente del Festival internazionale della Cinematografia sociale “Tulipani di Seta Nera” Diego Righini, l’opinionista televisiva e giornalista Sara Manfuso. Tutti i premiati hanno ricevuto anche un elegante accessorio Piquadro. L’evento, con la regia di Emanuele Massari, si è concluso con una cena nella cornice di grande fascino di Palazzo Montemartini-Radisson Collection Hotel e una torta monumentale realizzata dal maestro pasticciere del ristorante personalizzata "Rinaldi 1957". Un riconoscimento reso possibile grazie a realtà prestigiose che credono nel merito, nel valore della cultura e della memoria come Intesa Sanpaolo, Conflavoro PMI - Confederazione nazionale piccole e medie imprese, L’Erbolario, Medspa a cui fa capo il brand di cosmetici funzionali Miamo, NaturaSì, il tour operator Originaltour, Pasta Armando (premium brand di De Matteis Agroalimentare), Piquadro, PuraNatura - pet care e pet food, Officinalis, Isaia & Isaia di Napoli, il Gruppo alberghiero RHC-Radisson Collection Hotel Palazzo Montemartini, il gruppo alberghiero BW Best Western Hotels e resort, Artemisia Lab (Rete di centri clinici diagnostici), Pubblitre di Roma, Danylautistavip, Rinaldi 1957, Planisium – ristorante e wine bar (Roma).

UN PREMIO PER CHI LASCIA IL SEGNO, COME FACEVA ZORRO

“Questo Premio – spiega l’ideatore e direttore artistico Igor Righetti - nasce con un obiettivo chiaro: riconoscere e celebrare il valore autentico del talento e dell’eccellenza. In un’epoca in cui parlare di meritocrazia può sembrare controcorrente, se non addirittura blasfemo, scegliamo invece di metterla al centro, convinti che il talento non debba essere nascosto o ridimensionato, ma riconosciuto, valorizzato e raccontato. L’ Alberto Sordi Family Award è un premio apolitico e apartitico che si fonda su un unico criterio: il merito. Viene assegnato a tutte quelle personalità che, nei diversi ambiti hanno saputo lasciare un segno concreto del loro passaggio, contribuendo in modo significativo alla crescita e al benessere della collettività. Proprio come Zorro, simbolo di chi incide la realtà con coraggio e identità, premiamo coloro che hanno saputo distinguersi, lasciare un’impronta riconoscibile e offrire qualcosa di utile alla società. Perché il vero valore non è solo emergere, ma fare la differenza”.

L’omaggio alla contessa Patrizia de Blanck

Durante il Premio è stato fatto un emozionante omaggio alla contessa Patrizia de Blanck, scomparsa di recente, grande amica di Igor Righetti fin dagli Anni Ottanta con il quale ha condiviso non solo momenti personali ma anche tanti progetti televisivi e radiofonici, la sua unica canzone “VaffanVip” e la sua ultima apparizione televisiva e cinematografica nel docufilm “Alberto Sordi secret”, dove ha raccontato la sua storia d’amore vissuta nel 1970 con l’Alberto nazionale: un legame intenso, trasformato poi in un’amicizia rimasta fino all’ultimo. Anche Patrizia de Blanck ricevette il riconoscimento nel 2021.

Il primo e unico docufilm internazionale (anche in inglese e spagnolo) sulla vita privata di Alberto Sordi ora in onda su PrimeVideo Uk e PrimeVideo Usa

Proprio nella Casa del Cinema, due anni fa è stato presentato il primo e unico docufilm internazionale, anche in inglese e spagnolo, sulla vita privata del grande attore “Alberto Sordi secret”, scritto e diretto da Igor Righetti e tratto dal suo libro “Alberto Sordi segreto” (Rubbettino editore, giunto alla 12 ^a ristampa). Il docufilm - che ha già ricevuto 35 premi in Italia e all’estero, dall’Europa agli dagli Stati Uniti fino all’Asia - è prodotto da “CameraWorks” ed è stato presentato alla Festa del Cinema di Roma e al Senato della Repubblica. Nel cast figurano, tra gli altri, Fioretta Mari, Maurizio Mattioli, Emanuela Aureli, Enzo Salvi, Mirko Frezza, Daniela Giordano, Fabrizio Raggi e Lorenzo Castelluccio. “Adesso – ha detto il produttore dell’opera Massimiliano Filippini – il docufilm è in distribuzione all’estero ed è in onda su PrimeVideo Uk e PrimeVideo Usa. Stiamo ultimando anche una versione in lingua portoghese. Tra breve sarà trasmesso anche in Nuova Zelanda, Australia e Cina”.

Alcuni premiati delle passate edizioni: da Colin Firth ad Helen Mirren, da Gina Lollobrigida a Matt Dillon fino Pupi Avati

Negli anni passati il “Premio internazionale Alberto Sordi Family Award” è stato assegnato, tra gli altri, ai Premi Oscar Colin Firth, Helen Mirren, Robert Moresco e Taylor Hackford, a Gina Lollobrigida, Mark Strong, Matt Dillon, al regista e produttore cinematografico Pupi Avati, Fioretta Mari, Maurizio Mattioli, all’amministratore delegato della Rai Giampaolo Rossi, al pittore e attore-trasformista Dario Ballantini del programma “Striscia la Notizia”, al comico e attore Maurizio Battista, alle presentatrici televisive Elisa Isoardi e Simona Ventura, al cantautore Povia, alla star di Bollywood Shefali Shah, all’illusionista Antonio Casanova, al direttore generale Rai e San Marino RTV Roberto Sergio, al direttore dell’agenzia giornalistica TgCom24 Andrea Pucci, al direttore dell’Agenzia di stampa AdnKronos Davide Desario, al direttore del settimanale “Oggi” Andrea Biavardi ecc.

La Grande Onda di Kanagawa di Katsushika Hokusai

Thu, 02 Apr 2026 07:51:41 GMT

La "Grande Onda" di Hokusai è stata una rivoluzione tecnologica oltre che artistica.

La "Grande Onda" non è un dipinto unico, ma una xilografia: un'opera stampata a mano partendo da matrici di legno scolpite. Per ogni colore che si vede nell'opera (il blu profondo, l'azzurro chiaro, il grigio ed il rosa del cielo) è stato necessario incidere una tavoletta di legno diversa e inchiostrarla alla perfezione. Un lavoro di precisione millimetrica!

Un piccolo Grande capolavoro giunto sino a noi.
E' stata una rivoluzione tecnologica oltre che artistica.

Visitando la mostra a Palazzo Bonaparte, scoprirete che questo capolavoro deve il suo successo a un colore speciale: il Blu di Prussia. All'epoca era un pigmento sintetico d'avanguardia arrivato dall'Europa, che permise a Hokusai di ottenere sfumature di una profondità mai vista prima.

E se si guarda bene ... l'onda, che in apparenza potrebbe sembrare un mostro marino, è una massa d'acqua catturata con una velocità quasi fotografica, decenni prima dell'invenzione della fotografia moderna.

Un pezzo di storia che ha cambiato per sempre l'arte occidentale (influenzando persino Van Gogh!).

Il "Photoshop" dell'Ottocento:
Come nasceva l'Onda ?

Hokusai non prendeva semplicemente un pennello e dipingeva sulla carta. Il processo era una sfida di una precisione incredibile:

L'incisione:
Per ogni singolo colore che si vede nell'opera (il blu scuro, l'azzurro, il grigio ed il rosa pallido del cielo), un artigiano doveva scolpire una lastra di legno di ciliegio diversa. Se ad esempio l'opera aveva 8 colori, servivano 8 lastre diverse.

Il "Registro" perfetto:
La parte più difficile. Far combaciare tutto. Il foglio di carta veniva appoggiato su ogni lastra una dopo l'altra. Se si sbagliava anche solo di un millimetro, il colore usciva dai bordi e si doveva buttare tutto.

L'effetto sfumato (Bokashi):
quelle bellissime sfumature nel cielo o nell'acqua. Non esistevano rulli: l'artigiano doveva bagnare il legno, stendere il pigmento con un pennello e dosare la pressione a mano per creare quella transizione morbida.

Una curiosità nella curiosità:
Hokusai era il disegnatore, ma per finire l'opera servivano un incisore (che scolpiva il legno) e uno stampatore (che passava il colore). Era un vero lavoro di squadra.

La precisione quasi maniacale era ciò che rendeva le stampe esposte così nitide e vibranti ancora oggi, dopo quasi due secoli.

La mostra "Hokusai. Il grande maestro dell’arte giapponese" a Palazzo Bonaparte (aperta dal 27 marzo al 29 giugno 2026) è un evento davvero imperdibile, con oltre 200 opere provenienti dal Museo Nazionale di Cracovia.

"Premio Anna Magnani 2026" La XII edizione

Wed, 25 Mar 2026 17:20:59 GMT

Una Straordinaria Edizione per i 70 anni dall'Oscar alla grande attrice.

Il 21 marzo 1956 Anna Magnani vinse l'Oscar come migliore attrice protagonista per la sua interpretazione di Serafina Delle Rose.

Entrò nella storia del cinema diventando la prima attrice italiana (e la prima interprete di madrelingua non inglese) a vincere il Premio come migliore attrice protagonista.
La statuetta le fu conferita nel film "La rosa tatuata" (The Rose Tattoo), diretto da Daniel Mann, basato sull'omonima opera teatrale di Tennessee Williams, che scrisse il personaggio pensando proprio a lei.

Una vera parata di stelle alla Casa del Cinema, che è stata il palcoscenico di un’edizione indimenticabile del "Premio Anna Magnani".
Un evento che ha saputo, ancora una volta, unire il fascino della storia e del cinema, con la vitalità dei talenti contemporanei.

Un grande successo di pubblico e di critica per Francesca Piggianelli, ideatrice e direttrice artistica di questo straordinario progetto firmato Romarteventi.

Grazie alla sua visione, il ricordo di Nannarella continua a brillare attraverso le eccellenze del nostro tempo.

Siamo orgogliosi di aver visto premiare sul palco artisti immensi, tra cui:

‘Premio Anna Magnani International’ VITTORIO STORARO Autore della fotografia cinematografica, Vincitore di tre Premi Oscar, applausi e tutti in piedi, un grande momento di commozione;

‘Premio Anna Magnani International’ GIORGIO GREGORINI hair stylist Vincitore Premio Oscar per il film Suicide Squad;

‘Premio Anna Magnani International Musica’ Maestro ANDREA MORRICONE compositore di colonne sonore di fama mondiale;

‘Premio Anna Magnani International’ a MONICA GUERRITORE per la recitazione e la regia del film “ANNA”;

‘Premio Anna Magnani International’ TIZIANA ROCCA Manager General Director;

‘Premio Anna Magnani Artista dell’Anno’ a ROSARIO FIORELLO per la sua bravura, le sue molteplici attività artistiche di grande successo e per la Pennicanza;

‘Premio Anna Magnani International’ PINO QUARTULLO , attore, regista, sceneggiatore di grande spessore nel cinema, teatro e tv (nomination all’ Oscar nel 1987 con EXIT);

‘Premio rivelazione’ JUSTINE DE VIVO protagonista del film 40 SECONDI e premio speciale al regista Vincenzo Alfieri;

‘Premio rivelazione’ BEATRICE SAVIGNANI attrice nel film LE COSE NON DETTE regia di Gabriele Muccino;

‘Premio Speciale Serie tv’ alla protagonista LILIANA FIORELLI ed ai registi di L’APPARTAMENTO SOLD OUT regia di Giulio Manfredonia e Francesco Apolloni (che ha ricevuto anche il Premio Panalight consegnato da Manuela Pasqualetti);

‘Premio Speciale Anna Magnani Produzione cinema e tv’ a MARCO BELARDI ;

‘Premio speciale Anna Magnani Doppiaggio’ VALENTINA PERRELLA
(premiata dal doppiatore di fama internazionale Roberto Chevalier);

‘Premio speciale Anna Magnani attrice e regista’ DANIELA GIORDANO ;

‘Premio speciale Anna Magnani sceneggiatore e regista LUCA VERDONE .

Un ringraziamento è stato rivolto ai Premiati, Istituzioni, Nuovo Imaie, Simone Bartoli, al Comitato d’Onore, tra cui citiamo Elettra Ferraù, Elizabeth Missland, Roberto Chevalier, Franco Mariotti, Saverio Vallone, Stefano di Tommaso, Gerry Guida, Panalight, Casa del Cinema, per i Premi Opere artistiche di G.B.Spadafora, Onivars, Branca, per il brindisi finale Vini Federici, Stappando, Antica Distilleria Petrone, per la torta I Pusceddu e degustazione Polpetta, inoltre a tutto lo staff di Romarteventi, alla stampa,tv, ai fotografi, agli ospiti ed a tutti coloro che hanno contribuito al successo di questa speciale Edizione.

Arte, Sport e Rispetto: il successo della mostra "Nelle mani una carezza per lei" al Museo FIJLKAM

Sat, 14 Mar 2026 15:32:48 GMT

Inaugurata la mostra "Nella mano una carezza per lei" alla FIJLKAM. Sport, Arte e Sociale con il progetto Guardian Girls Karate per la prevenzione della violenza di genere .

Si è svolta ieri, in un’Aula Magna gremita di giovani, artisti e pubblico, l’inaugurazione della 25ª mostra collettiva d’arte del Museo FIJLKAM. L’evento, intitolato "Nelle mani una carezza per lei" , ha trasformato il Centro Olimpico di Ostia in un palcoscenico dove il Karate e l'Arte si sono uniti per celebrare la donna e promuovere la cultura del rispetto.

La presentazione è stata un susseguirsi di interventi carichi di significato. Il Presidente della FIJLKAM e della Commissione difesa personale, Giovanni Morsiani , e il Presidente del Settore Karate, Davide Benetello , hanno aperto la giornata portando i saluti della Federazione e ribadendo l’impegno sociale del mondo sportivo.

A seguire, l’Architetto Livio Toschi , direttore artistico del Polo Culturale, ha illustrato come l’emancipazione femminile sia passata storicamente attraverso lo sport. Il focus si è poi spostato sulla sicurezza con le istruttrici certificate Cinzia Colaiacomo e Alessia Coppola Neri , che hanno spiegato l'importanza del progetto globale Guardian Girls Karate (promosso da WKF, KIF e UNFPA) per fornire alle donne strumenti pratici di autodifesa e prevenzione.

A chiudere gli interventi, il dirigente federale e attore Andrea Rizzoli ha emozionato i presenti recitando brani tratti dalla Vita Nova di Dante Alighieri e la poesia Sei perfetta di Giò Evan .

Il momento più toccante della cerimonia è stato il conferimento a sorpresa a Marina Pellicone . Alla moglie del compianto Presidente Matteo Pellicone è stata consegnata un'opera realizzata dall'artista Silvia Girlanda . Un gesto inaspettato che ha suscitato grande commozione, suggellando il legame profondo tra la famiglia Pellicone e la missione educativa del Museo.

Sarà un marzo di grande sport ad Ostia. La presenza di tantissimi giovani in sala testimonia la sensibilità delle nuove leve verso i temi trattati dalle Guardian Girls . L'evento si inserisce infatti in un mese di marzo 2026 ricchissimo per il Pala Pellicone di via dei Sandolini: dopo il seminario del 12 marzo, il 13 è stata ufficialmente aperta la prestigiosa Premier League Karate Roma . Per chi volesse seguire le prossime competizioni nazionali e internazionali, è possibile consultare il Calendario Gare Ufficiale FIJLKAM .

Al termine della presentazione, il pubblico ha visitato la Sala Esposizioni al primo piano, dove 50 artisti hanno dato vita a un racconto corale sulla femminilità un percorso espositivo: 130 opere per la Donna.

Tra le opere esposte "Il Volo di Venere" di Roberta Gulotta, gli splendidi bassorilievi in terracotta di Silvia Girlanda, la mostra personale "Profumo di donna" dello scultore Italo Celli (che ha anche realizzato l'opera scultorea in bronzo il monumento dedicato a Matteo Pellicone, il presidente della FIJLKAM dal 1981 al 2013).

La mostra rimarrà aperta al pubblico fino al 30 aprile .

Museo degli Sport di Combattimento - Centro Olimpico Matteo Pellicone

Via dei Sandolini, 79 – 00122 Lido di Ostia

Robert Doisneau al Museo del Genio: l’eleganza di un tempo sospeso.

Thu, 05 Mar 2026 10:04:37 GMT

Negli spazi del neonato polo museale del Museo del Genio, presentata la grande retrospettiva dedicata a Robert Doisneau, aperta al pubblico dal 5 marzo al 19 luglio 2026".

Roma si riappropria della poesia del quotidiano. Il giorno 4 marzo 2026, negli spazi del neonato polo museale del Museo del Genio , è stata presentata alla stampa la grande retrospettiva dedicata a Robert Doisneau , aperta al pubblico dal 5 marzo al 19 luglio 2026 .
L’evento ha visto la partecipazione entusiasta di Iole Siena (Presidente di Arthemisia), Angelo Virdis (capo Ufficio della Pubblica Informazione e Comunicazione della Marina), Erminia Frigerio (Responsabile Media Relations gruppo Generali Italia) e Antonella Graziano (Responsabile Accordi Commerciali AV · Esperienza: Trenitalia Frecciarossa ), che hanno tenuto a battesimo questa nuova stagione culturale all’insegna della bellezza e dell’umanesimo.

Arthemisia, i n collaborazione l’Esercito Italiano e Difesa Servizi e in partnership con la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale, con questa seconda mostra prosegue nel rilancio di uno degli edifici più straordinari della Città di Roma, il Museo del Genio.

Oltre 140 scatti tra il bianco e nero e a colori, compongono un mosaico di un’epoca che sembra appartenere a un sogno lontano, una sorta di danza del quotidiano tra ironia e disincanto.
La mostra non è solo un’esposizione, ma un viaggio sentimentale in una Parigi (e un’umanità) che probabilmente non esiste più: quella dei giochi dei bambini in strada, della complicità silenziosa delle portinaie e di una socialità fatta di gesti minimi ma eterni.

Doisneau, con il suo sguardo "laterale" e mai invadente, non cercava l’artificio, ma la verità di un istante. La sua fotografia è una "battaglia contro l'idea che siamo destinati a scomparire", una “battaglia” che consisteva nel catturare momenti di bellezza, umorismo e tenerezza quotidiana che altrimenti andrebbero perduti per sempre.

La mostra al Museo del Genio assume oggi un valore simbolico ancora più alto: cade infatti nel bicentenario della nascita della fotografia . A duecento anni dal primo incerto scatto della storia di Joseph Nicéphore Niépce che realizza la prima fotografia “Vista dalla finestra a Le Gras” , la retrospettiva di Robert Doisneau si pone come la celebrazione più pura di questo linguaggio.

Ogni scatto, dal " Le baiser de l’Hôtel de Ville" al celebre " Un chien à roulettes" , diventa un modo per trattenere la vita, per custodire ciò che è fragile e fugace.

Accanto agli sconosciuti che popolano le vie parigine, l'eleganza di Doisneau si manifesta con la stessa naturalezza nei ritratti delle grandi celebrità. Nelle sale del Museo del Genio, i visitatori possono incrociare lo sguardo di Pablo Picasso, Jacques Prèvert o Alberto Giacometti.
Anche qui, Doisneau rifugge la celebrazione retorica: le icone del secolo scorso vengono spogliate del loro mito e restituite alla loro dimensione più autentica e umana, tra ironia e un sottile, elegantissimo disincanto.

L’inaugurazione di questa nuova mostra conferma il debutto ufficiale del Museo del Genio come spazio d’elezione per le grandi mostre internazionali, dove la storia militare incontra l'arte valorizzando la cultura in una nuova cornice.
La mostra, con il patrocinio dell’Ambasciata di Francia in Italia, della Regione Lazio e del Comune di Roma, è curata dall’Atelier Robert Doisneau e Gabriele Accornero, ed è prodotta e organizzata da Arthemisia in partnership con la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale e Poema.

Il progetto nasce dalla collaborazione tra Arthemisia e Ministero della Difesa, Esercito Italiano e Difesa Servizi, società in house del Ministero della Difesa che ha avviato un importante percorso di valorizzazione dei Musei Militari aprendoli al grande pubblico attraverso iniziative culturali, per promuovere e rendere accessibile a tutti l’immenso patrimonio storico – artistico della Difesa.

Il progetto, in collaborazione con Bridgeconsultingpro, vede come sponsor Generali Italia con il programma Generali Valore Cultura.

La mostra si inserisce inoltre nelle celebrazioni del 70° anniversario del gemellaggio tra Roma e Parigi, sancito il 30 gennaio 1956 come simbolo di amicizia, cooperazione e valori comuni all’interno del contesto europeo.

L’esposizione vede come mobility partner Frecciarossa Treno Ufficiale e Atac e radio partner Dimensione Suono Soft.

Fino a metà luglio, Roma ospita dunque non solo una mostra, ma un invito a guardare il mondo con occhi più curiosi e sensibili, trovando la bellezza nel gesto più semplice di un passante o nel sorriso di un bambino.

Robert Doisneau
Dal 5 MARZO al 19 LUGLIO 2026
INFO E PRENOTAZIONI 06-8561031
WWW.ARTHEMISIA.IT

L’Arte celebra la Donna: al Polo Museale FIJLKAM

Thu, 26 Feb 2026 14:50:24 GMT

La mostra "Nella mano una carezza per lei".

Il prestigioso Polo Museale Matteo Pellicone di Ostia Lido (RM), cuore pulsante della cultura sportiva e artistica della FIJLKAM, si prepara a ospitare la XXV Mostra d’Arte intitolata "Nella mano una carezza per lei" . L'esposizione, dedicata interamente all'universo femminile, vede tra i suoi protagonisti l'artista Roberta Gulotta , che partecipa con l'opera dal titolo evocativo "Il Volo di Venere" .

Già nota al pubblico internazionale, Roberta Gulotta (nella foto con la sua opera) torna a esporre presso il Museo federale, un luogo che ha più volte celebrato il connubio tra sport e bellezza.

Con "Il Volo di Venere", l'artista offre una visione simbolica, dove la figura femminile si fa emblema di femminilità, libertà e grazia senza tempo, temi centrali di questa rassegna collettiva.

Sotto la direzione artistica dell'Arch. Livio Toschi, il Polo Museale Matteo Pellicone continua la sua missione di promuovere l'arte come strumento di inclusione e riflessione sociale. La mostra "Nella mano una carezza per lei" si inserisce in un calendario di eventi di alto profilo che rendono il centro olimpico di Ostia un punto di riferimento non solo per gli atleti, ma per tutti gli amanti della bellezza e dell'eccellenza creativa.

L'opera di Roberta Gulotta , con il suo inconfondibile stile, fonde pittura, scultura e profondità etica confermando ancora una volta la capacità dell'artista di dialogare con i temi più urgenti della nostra società, invitando il visitatore a un viaggio emozionale, confermando ancora una volta la capacità dell'artista di dialogare con lo spazio e con la sensibilità contemporanea per un simbolismo potente e attuale.

In "Il Volo di Venere", l'artista ha scelto di inserire delle mani maschili che sorreggono con estrema delicatezza il volo della figura femminile. Un gesto che non è possesso, ma supporto: l'universo maschile che accompagna con rispetto e protezione l'evoluzione e il cammino della donna.

Commentando la sua partecipazione, l'artista ha dichiarato:

"Con quest’opera ho voluto evidenziare la delicatezza con cui l’universo maschile deve sorreggere il percorso e l’evoluzione della donna. 'Il Volo di Venere' rappresenta un’ascesa comune, dove la mano dell’uomo si fa custodia gentile di un volo libero e consapevole."

L'evento aprirà ufficialmente i battenti con una cerimonia di inaugurazione prevista per:
Venerdì 13 Marzo 2026 alle ore 16:00
Luogo: Centro Olimpico FIJLKAM, Via dei Sandolini 79, Ostia Lido (RM).

Il vernissage, curato dall' Arch. Livio Toschi , sarà un momento di incontro tra autorità, sportivi e amanti dell'arte per riflettere sulla figura della donna attraverso la sensibilità dei numerosi artisti selezionati.

Agata Christian - Delitto sulle Nevi: Il Ritorno al Giallo Comico

Thu, 29 Jan 2026 13:07:16 GMT

Presentato alla stampa presso la Sala Barberini di Roma "Agata Christian".

Preparate le lenti d'ingrandimento: il 5 febbraio arriva nelle sale italiane un titolo che promette di mescolare suspense e risate. Si tratta di Agata Christian - Delitto sulle Nevi , una produzione Be Water Film in associazione con Medusa Film che vede il grande ritorno di un cast corale d'eccezione.

Un Cast Stellare per un Mistero Innevato

Il film, diretto da Eros Puglielli , schiera una squadra di talenti che spazia dalla grande commedia al web, fino alla musica. Al centro della scena troviamo la coppia formata da Christian De Sica , nei panni del sagace criminologo Christian Agata, e Lillo Petrolo , il brigadiere Gianni Cuozzo.

Accanto a loro, un parterre di sospettati e comprimari di altissimo livello: il cast corale include Giorgio Colangeli (nel ruolo della vittima Carlo Gulmar), l’imprevedibile Maccio Capatonda, Paolo Calabresi, Chiara Francini e Ilaria Spada . Completano questa ricca rosa di nomi : Marco Marzocca, Alice Pagani, Enzo Paci, Sara Croce con il debutto sul grande schermo del rapper Tony Effe .

Un'accoppiata, quella formata da De Sica e Lillo, che promette scintille comiche, con un poliziotto di provincia (Cuozzo) fan sfegatato del sarcastico e infallibile criminologo.

La trama è un Giallo Classico in Salsa Italiana. La storia si svolge in una lussuosa residenza di montagna, dove il criminologo Agata viene invitato dalla famiglia Gulmar per il rilancio di "Crime Castle", un celebre gioco da tavolo. La tranquilla operazione di marketing si trasforma in un incubo quando Carlo Gulmar, il patriarca della famiglia, viene trovato morto, colpito da un'arma da fuoco e con il volto affondato in una torta.

A complicare le cose, una valanga isola la villa dal resto del mondo, lasciando assassino e ospiti intrappolati in un'atmosfera claustrofobica. Tra segreti di famiglia, vecchi rancori e false piste, l'indagine si trasforma in un giallo ironico e imprevedibile, dove tutti sembrano avere qualcosa da nascondere.

Agata Christian - Delitto sulle Nevi promette dunque di essere un mix irresistibile di suspense e humor, un omaggio al giallo classico con un tocco di comicità tutta italiana. L'appuntamento al cinema è fissato per il 5 febbraio.

"L'aspetto più intrigante dell'operazione Agata Christian è il potenziale del suo protagonista. Il nome stesso è un brand istantaneo che strizza l’occhio al pubblico: siamo di fronte a un personaggio che ha tutte le carte in regola per diventare seriale. Sarebbe stimolante vedere Christian De Sica vestire questi panni in una vera e propria saga antologica, risolvendo un caso diverso in ogni pellicola, magari in location iconiche sempre differenti, trasformando il film del 5 febbraio nel 'capitolo uno' di un nuovo franchise del giallo all'italiana."

(Foto di Roberta Gulotta - copyright)

Il Viaggio Moderno delle Collezioni del "Detroit Institute of Arts" all'Ara Pacis a Roma

Sat, 10 Jan 2026 14:59:19 GMT

Da DETROIT al CUORE di ROMA con: "Impressionismo e oltre. Capolavori dal Detroit Institute of Arts".

Un appuntamento imperdibile sta illuminando la Capitale. Il Museo dell’Ara Pacis apre le porte a una selezione leggendaria di capolavori provenienti da una delle collezioni più prestigiose al mondo.

DEGAS – MATISSE – PICASSO – RENOIR – VAN GOGH.

Non è solo una mostra sull’Impressionismo, ma un viaggio che va "oltre", mostrandoci come il colore e la forma siano cambiati per sempre tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento.

La mostra raccoglie 52 capolavori provenienti dal museo di Detroit, tracciando un percorso che va dai precursori del realismo (come Gustave Courbet) fino alle avanguardie del XX secolo. L'opera simbolo, "Donna in poltrona" (1874) di Renoir, è accompagnata da altri pezzi iconici come le "Bagnanti" di Cézanne.
Dall' evoluzione di stile del genio di Picasso ai celebri ritratti Edgar Degas e scene di vita moderna, tra cui spicca la sperimentazione del movimento e della forma. Dalla rivoluzione cromatica di Matisse alle geometrie e le sperimentazioni cubiste sulla tridimensionalità. Come non rimanere toccati dalla pura energia vibrante e tormentata di Van Gogh.

Il visitatore può ammirare come la solidità costruttiva di Cézanne ponga le basi per il futuro, mentre la luce infinita di Monet dialoga con le visioni sintetiche di Gauguin . Presenze come Pissarro , Bonnard e Toulouse-Lautrec , Amedeo Modigliani, Vasilij Kandinskij e moltissimi altri completano questo affresco storico, trasformando l'esposizione in un'esperienza corale che documenta ogni sfumatura di quella straordinaria stagione creativa che ha cambiato per sempre il nostro modo di vedere il mondo.

Attraverso i capolavori di maestri assoluti, la mostra offre un'occasione unica per ammirare in Italia tesori internazionali che hanno segnato indelebilmente la storia dell'arte mondiale.

Oltre ai cinque grandi protagonisti che danno il titolo alla mostra (Degas, Matisse, Picasso, Renoir e Van Gogh), il percorso espositivo all'Ara Pacis è arricchito da altri maestri fondamentali che aiutano a contestualizzare meglio il passaggio dall'Impressionismo alle avanguardie.

L'itinerario è molto ricco e copre un arco temporale e stilistico ampio, dividendosi in quattro sezioni che tracciano l'evoluzione dell'arte moderna dalle origini dell'impressionismo fino alle avanguardie del primo Novecento in cui il Prestigio della provenienza delle opere dal Detroit Institute of Arts, uno dei musei più importanti degli Stati Uniti si fondono con il fascino del contrasto tra l'antichità classica dell'Ara Pacis e il modernismo delle opere esposte.
IL CORO DEI MAESTRI. Si potranno ammirare:

I Precursori (Courbet, Manet, Carolus-Duran).

Gli Impressionisti (Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley).

I Post-impressionisti (Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec, Redon, Denis, Bonnard, Vallotton).

Le Avanguardie del XX secolo (Matisse, Picasso, Modigliani, Kandinsky, Jawlensky, Soutine, Gris, Braque, Blanchard, Kokoschka, Nolde, Dix, Beckmann, Kirchner, Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff .

Maria Blanchard , l'unica artista donna presente nella selezione del Detroit Institute of Arts, partecipa alla mostra all'Ara Pacis con opere appartenenti alla sua fase cubista .

Nello specifico, l'opera principale esposta è " Il sassofonista" (The Saxophonist) un dipinto cubista che ritrae un musicista jazz attraverso piani frammentati e colori intensi (come blu, verdi e bordeaux), discostandosi dalle palette più tenui tipiche del cubismo di Picasso o Braque.

L'inserimento di quest'opera testimonia il contributo fondamentale della Blanchard alla vivacità del panorama artistico parigino dei primi due decenni del Novecento.

IMPRESSIONISMO e oltre. Capolavori dal Detroit Institute of Arts.

Degas – Matisse – Picasso – Renoir – Van Gogh.

dal 04/12/2025 al 03/05/2026

Museo dell'Ara Pacis, Spazio espositivo (Via di Ripetta n. 180)

Informazioni

tel. 060608 attivo tutti i giorni ore 9.00 - 19.00
Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura , Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali
Coprodotta e organizzata dalla Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e da MondoMostre
Con il supporto di Zètema Progetto Cultura
Radio Partner Dimensione Suono Soft
Mobilty Partner Atac e Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane

Tipo Mostra|Arte Moderna

Curatori:

Ilaria Miarelli Mariani e Claudio Zambianchi

Vivian Maier "The Exhibition"

Mon, 03 Nov 2025 15:27:25 GMT

Vivian Maier "The exhibition", la mostra della fotografa nella città eterna, presso il nuovo "Museo del Genio" (Istituto Storico e di Cultura dell'Arma del Genio).

Vivian Dorothy Maier (1926-2009) è stata una fotografa statunitense, ha trascorso la maggior parte della sua vita lavorando come tata (bambinaia/governante), principalmente a New York e Chicago.

La sua vasta opera artistica rimase sconosciuta per tutta la vita. Venne scoperta solo pochi anni prima della sua morte, quando, a causa di affitti non pagati, il contenuto di un suo box (oltre 100.000 negativi) fu venduto all'asta nel 2007. L'acquirente, John Maloof, ne svelò il valore.

È considerata una figura di spicco della street photography americana, oggi è celebrata nei più importanti musei del mondo.
Il suo stile è caratterizzato da immagini in bianco e nero limpide e schiette della vita di strada.

Una profonda attenzione ai volti, alle espressioni e alle disuguaglianze sociali.

Famosi i suoi autoritratti enigmatici, spesso realizzati attraverso riflessi in vetrine o specchi.

Fotografava costantemente (usando soprattutto una Rolleiflex) ma lo faceva per sé stessa, quasi senza sviluppare né stampare le pellicole. L'atto fotografico sembrava essere più importante del risultato finale e della pubblicazione .

Oltre alla sua vasta produzione fotografica (principalmente Street Photography), Vivian Maier nel corso della sua vita ha anche girato numerosi filmati in Super 8 e registrazioni audio (su audiocassette).

I suoi filmati, come le sue fotografie, catturano la vita quotidiana delle città americane (soprattutto New York e Chicago) tra gli anni '50 e '70. Offrono una testimonianza spontanea e documentaristica della gente comune e delle strade dell'epoca.

Per la prima volta dalla sua costruzione negli anni ’30, l’Istituto Storico e di Cultura dell'Arma del Genio (Sito in Roma, Lungotevere della Vittoria n° 31), edificio di oltre 4.000 metri quadrati, riaprirà al pubblico nella nuova veste di grande centro culturale, che ospiterà due importanti esposizioni:
“Vivian Maier - The Exhibition”, dedicata alla più amata fotografa americana di cui ricorre il centenario e “Pop Air” di Ugo Nespolo Maestro del surreale e sperimentale presentata in anteprima nazionale, con le imponenti sculture del celebre artista.

La mostra di Vivian Maier al Museo del Genio a Roma (aperta dal 31 ottobre 2025 al 15 febbraio 2026), è stata volutamente affiancata all'esposizione, "Pop Air" di Ugo Nespolo, creando così un contrasto tra la leggerezza del linguaggio contemporaneo e la sensibilità dell'intensità degli scatti di vita vissuta della fotografa, una sorta di percorso attraverso un viaggio che passa per la solennità dei luoghi storici.

Il Tesoro ritrovato, inedito per questa esposizione presenta più di duecento opere, inclusi scatti celebri, immagini autentiche, e, cosa fondamentale, opere vintage (stampate dall'artista stessa o su sua indicazione), sezioni che per la prima volta danno una visione a tutto tondo della Maier, evidenziando il suo interesse per il cinetismo.

La curatrice Anne Morin, considerata la più grande esperta mondiale di Vivian Maier, ha lavorato per oltre dieci anni alla selezione delle opere, dato che l'archivio ammontava a circa 150.000 pezzi tra stampe, negativi mai stampati e rullini mai sviluppati.
Da un progetto di Vertigo Syndrome e in collaborazione con diChroma photography, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia.

Questa mostra non è solo un'occasione per ammirare le foto di strada di New York e Chicago o altri posti, ma è anche il simbolo della rinascita e dell'apertura alla contemporaneità, di un inaspettato luogo storico romano, per uno spazio che custodisce la memoria, promuove la ricerca e si apre all’incontro tra passato e presente.

STORIA DELLA SEDE:
Nato nei primi anni del Novecento come Museo dell’Ingegneria Militare Italiana, l’attuale Istituto Storico e di Cultura dell’Arma del Genio, oggi conosciuto dal grande pubblico come Museo del Genio, affonda le sue radici in un momento cruciale della storia italiana: quello in cui la giovane nazione post-unitaria cercava simboli e strumenti per costruire la propria identità. In questo contesto, celebrare l’ingegneria e l’architettura militare – campi in cui l’Italia eccelle da sempre per ingegno e visione – significava raccontare la modernità di un Paese in piena trasformazione. Dopo aver avuto diverse sedi storiche, l’Istituto trova la sua definitiva collocazione nell’attuale complesso monumentale sul Lungotevere della Vittoria, costruito tra il 1936 e il 1939 su progetto del tenente colonnello del Genio Gennaro De Matteis. L’edificio è uno dei migliori esempi di architettura istituzionale del Novecento: un equilibrio tra razionalismo e neoclassicismo semplificato, il complesso si distingue per il rigore compositivo, l’uso sapiente dei materiali – dal travertino romano ai mattoncini – e l’impatto scenografico dell’esedra d’ingresso e dei torrioni fortificati. Al suo interno, l’Istituto custodisce un patrimonio di straordinario valore storico e tecnico, un’ampia carrellata documentale dei mezzi di trasmissione – dai segnali a fuochi dell’epoca omerica, all’impiego dei colombi viaggiatori, ai mezzi ottici sempre più perfezionati e quindi dal telegrafo, alla radio e al suo geniale inventore, Guglielmo Marconi, capitano del Genio, e ai suoi rivoluzionari apparecchi – i plastici delle città italiane, i modelli di ponti, strumenti e apparati delle specialità del Genio (Pionieri, Pontieri, Guastatori, Ferrovieri), ma anche un ricco patrimonio documentale, con oltre 24.000 volumi, 30.000 fotografie storiche, 20.000 iconografie e 150.000 documenti provenienti da secoli di storia militare e scientifica italiana.

Da un’iniziativa del Ministero della Difesa, Esercito Italiano e Difesa Servizi , società in house del Ministero della Difesa che valorizza gli asset del Dicastero, il progetto è prodotto e organizzato da Arthemisia e con il patrocinio della Regione Lazio .
Il progetto è in partnership con Fondazione Terzo Pilastro Internazionale e Poema e vede come sponsor Generali Italia con il programma Generali Valore Cultura , mobility partner Frecciarossa Treno Ufficiale e media partner la Repubblica .

Premio Speciale "ANNUARIO DEL CINEMA NEWS" per l'VIII Edizione a Roberta Gulotta

Tue, 28 Oct 2025 16:07:09 GMT

Un inaspettato riconoscimento per Roberta Gulotta,
Premio Speciale "ANNUARIO DEL CINEMA NEWS" anno 2025 presso lo Spazio Roma Lazio Film Commission, nell’ambito della Festa del Cinema di Roma.

"Sono profondamente emozionata e onorata per aver ricevuto questa onorificenza. È un riconoscimento che mi riempie di gioia e per il quale sono estremamente grata."

Ringrazio di vero cuore Elettra Ferraù (vera e grande signora del giornalismo e del cinema ) per l' inaspettato premio e congratulazioni a Francesca Piggianelli per il grande successo dell' evento nello spazio “Roma Lazio Film Commission” dell’Auditorium Parco della Musica, in occasione della Festa del Cinema di Roma, con la consegna dei Premi Speciali Roma Videoclip, Anna Magnani e Annuario del Cinema News, sotto la direzione artistica di Francesca Piggianelli.

MOTIVAZIONE:

Pittrice, scultrice, fotografa, è cresciuta nell’ambiente dell’arte, (suo nonno era pittore, sua madre è scultrice e pittrice), ha studiato scenografia e da anni si occupa di cinema, dalla realizzazione di trofei agli eventi, ai reportages. Ha esposto le sue opere in tutto il mondo presso gallerie e dimore storiche. Ha realizzato importanti trofei in occasione di festival ed eventi cinematografici. Le sono stati attribuiti numerosi premi e riconoscimenti in Italia e all’estero.

Targa speciale Annuario del Cinema News a Roberta Gulotta

ASSEGNATI I PREMI SPECIALI ROMA VIDEOCLIP, ANNA MAGNANI ED ANNUARIO DEL CINEMA NEWS.

Successo oltre le previsioni e grandi emozioni per la consegna dei Premi Speciali della XXII Edizione del Premio Roma Videoclip-il cinema incontra la musica, dell’XI Edizione Premio Anna Magnani, con la direzione artistica Francesca Piggianelli, Presidente di Romarteventi e Premi VIII Edizione di Annuario del Cinema, direzione artistica Elettra Ferraù ed Emanuele Masini . L’Evento si è svolto all’interno dello Spazio Roma Lazio Film Commission che ringraziamo per il supporto, presso Auditorium Arte nell’ambito della Festa del Cinema di Roma.

Madrina dell’evento Manuela Pasqualetti che ha ricevuto dal Direttore di “Pianeta Donna” Franco Mariotti un Premio Speciale per l’importante ruolo che svolge in Panalighy.

PREMI SPECIALI XXII EDIZIONE ROMA VIDEOCLIP

“Il Cinema incontra la musica”

"Premio Videoclip dell'anno" al regista Duccio Forzano per "La vita è adesso" di Claudio Baglioni.

"Premio alla carriera artistica” ad Amedeo Minghi e per il videoclip Anima Sbiadita regia di Michele Vitiello.

“Premi speciali Anteprima” alle attrici Nina Sciarappa (premio rivelazione), Beatrice Sandri e Mimi Karbal per la partecipazione nella serie tv L’Appartamento sold out regia di Giulio Manfredonia e Francesco Apolloni che uscirà a novembre su Rai Play.

PREMI SPECIALI ANNA MAGNANI XI EDIZIONE.

Premio Anna Magnani a GIGI MARZULLO, giornalista, conduttore, personaggio televisivo dell’Anno.

PREMI SPECIALI VIII^ EDIZIONE ANNUARIO DEL CINEMA NEWS.

A GIGI MARZULLO il Premio Annuario del Cinema News alla carriera.

ELISABETTA PELLINI, attrice e regista, per la sua bravura e professionalità nel cinema e tv.

IGOR RIGHETTI per il successo nazionale ed internazionale del docufilm Alberto Sordi Secret da lui diretto.

ROBERTA GULOTTA per le sue doti artistiche come pittrice, scultrice, fotografa.

Un ringraziamento per la collaborazione a Silvia Tocci, Stefano Buttafuoco, Simone Bartoli, Roberto Puntato, Roberto Chevalier, Saverio Vallone, Riccardo Ferrero, Massimo Palombo di Onivars per la realizzazione di 2 premi speciali, il Comitato d’Onore, gli ospiti illustri che hanno contribuito al successo dell’Evento .

"La Lotta, l'Arte e l'inclusione alla FIJLKAM."

Sun, 12 Oct 2025 15:41:23 GMT

Una nuova mostra d'arte si è inaugurata al Polo Museale Matteo Pellicone presso la Fijlkam di Ostia Lido dal titolo: "L' Arte della Lotta/La Lotta nell'Arte".

Una nuova mostra d'arte si è inaugurata al Polo Museale Matteo Pellicone presso la Fijlkam di Ostia Lido, sotto la direzione artistica dell'Arch. Livio Toschi e la neo presidenza del Dott. Giovanni Morsiani nuovo Presidente federale. “L'Arte della Lotta / La Lotta nell'Arte” e Convegno per i 70 anni del primo titolo mondiale FIJLKAM si è aperta sabato 11 ottobre 2025, a partire dalle ore 16:00 con accesso al pubblico sino al 1 marzo 2026.

A fare gli onori di casa il Direttore Artistico Arch. Livio Toschi che ha ideato e curato l'evento, storico e consulente della FIJLKAM (Federazione Italiana Judo Lotta Karate Arti Marziali) si concentra spesso sul tema della Lotta, sia come pratica sportiva che come soggetto nell'arte. L'Arch. Toschi ha anche scritto diversi libri sull'argomento, tra cui “L'arte della lotta, la lotta nell'arte - L'antichità” (Edizioni mediterranee).

Un libro, frutto di un'accurata ricerca iconografica.

Presenti al tavolo da conferenziere ad accogliere gli ospiti e gli artisti: Andrea Rizzoli (Attore e Responsabile Area e del Centro di Preparazione Olimpiaca FIJLKAM) il quale ha allietato il pubblico recitando brani di antichi versi, il maestro Enzo Failla (vero e proprio pioniere delle arti marziali), l'Arch. Livio Toschi (Direttore Artistico Polo Museale Matteo Pellicone), Alessandro Saglietti (Presidente del settore Lotta) e il Dott. Fabio Gelsomini (Segretario Generale FSSI FEDERAZIONE SPORT SORDI ITALIA).

Presente in sala la Sig.ra Marina Pellicone moglie del compianto Matteo Pellicone che ha dato il nome al Polo Museale, Marco Coppari (Responsabile Area e Contatti FIJLKAM) e naturalmente gli Artisti che hanno realizzato le opere in esposizione.

In concomitanza con l'inaugurazione della mostra "L'Arte della Lotta / La Lotta nell'Arte" si è tenuto anche un convegno su Ignazio Fabra (Palermo, 25 aprile 1930 – Genova, 13 aprile 2008), lottatore sordomuto palermitano, che ha conquistato il titolo, battendo il forte turco Akbas prima del limite, riscuotendo applausi per la brillante tecnica sfoggiata. In questa occasione è stato presentato un opuscolo di Livio Toschi intitolato “Ignazio Fabra e la lotta italiana nel secondo dopoguerra (1945-1965)”.

Fabra è stato un celebre lottatore italiano, vincitore di due medaglie d'argento olimpiche (lotta greco-romana, pesi mosca) a Helsinki 1952 e Melbourne 1956.

Il convegno ha evidenziato l'importanza degli atleti sordi nelle attività sportive della FIJLKAM (Federazione Italiana Judo Lotta Karate Arti Marziali) che è elevatissima e si inquadra in un forte impegno verso l'inclusione e l'integrazione.

La federazione riconosce lo sport come un fondamentale strumento di integrazione sociale. Questo si concretizza attraverso un Protocollo d'Intesa che la FIJLKAM ha stipulato con la FSSI (Federazione Sport Sordi Italia). L'accordo mira a promuovere congiuntamente l'educazione sportiva e lo sviluppo tecnico-agonistico degli atleti sordi, favorendone l'inclusione negli ambienti sportivi con atleti udenti.

La Federazione condivide il principio che lo sport è un diritto umano e si impegna a garantire la possibilità di praticare le proprie discipline (Judo, Lotta, Karate, Arti Marziali) a tutti, comprese le persone sorde e con altre disabilità.

La FIJLKAM è stata inclusa dal CIP (Comitato Italiano Paralimpico) tra le Federazioni che gestiscono discipline paralimpiche, a testimonianza del suo impegno in questo ambito.

Gli atleti sordi che praticano le discipline, spesso in collaborazione con la FSSI, hanno raggiunto risultati di rilievo a livello internazionale.

L'Italia ha ottenuto successi significativi nel Karate alle Deaflympics (le Olimpiadi Silenziose) laddove gli atleti della Nazionale di Karate FSSI, spesso si confrontano anche in eventi FIJLKAM con atleti udenti, dimostrando il loro alto livello competitivo, vincendo medaglie ai Campionati del Mondo e ad altri eventi internazionali. Quindi, non è solo una questione di pari opportunità, ma si contribuisce attivamente al prestigio sportivo nazionale nelle discipline da combattimento, efficaci per l'inclusione, per la loro natura e non ci sono distinzioni che non siano il livello di cintura, creando un forte senso di uguaglianza, promuovendo una forte concentrazione e rispetto, valori fondamentali che supportano la crescita personale e l'integrazione sociale per tutti gli atleti.

Presente e selezionata con la propria opera dedicata alla lotta, l'artista ed inviata per eventi culturali Roberta Gulotta che ha presentato un quadro dal titolo “La lotta è un'arte” (tempera acrilica su tela a vernice dorata) una sorta di excursus figurativo sull'evoluzione della lotta come disciplina nel tempo.

Fra gli artisti in mostra con le proprie opere anche Silvia Girlanda (Scultrice e medaglista) con le opere in terracotta “Lotta femminile”, “La lotta di Atalanta e Peleo”, “Lotta” e “Memorial Enrico Porro 2008”, l'artista ritrattista Liana Girlanda con un ritratto di “Ingrazio Fabra” uno di “Frank Chamizo”, lo scultore Italo Celli con la scultura “Lottatori” opera donata al museo nel 2016.

Per tutti i visitatori: la mostra "Guerra e Pace" inaugurata il 7 maggio 2025 è stata prorogata sino al 25 ottobre 2025 e sarà visitabile al primo piano del Polo Museale mentre "l'Arte della Lotta/La lotta dell'Arte" è visitabile al piano terra.

Polo Museale MATTEO PELLICONE - FIJLKAM

Indirizzo: Via dei Sandolini, 79 - 00122 Ostia Lido (Roma)

Una Mostra antologica di Mark Kostabi alla Vaccheria di Roma

Fri, 12 Sep 2025 15:33:13 GMT

La retrospettiva di MARK KOSTABI con "FROM POP TO ETERNITY" e "Pop Art Fest" dal 12 al 14 settembre 2025, evento gratuito dedicato alla cultura Pop.

Un Grande evento artistico ha segnato l'11 settembre 2025, l’inaugurazione della mostra antologica di Mark Kostabi (Pittore e compositore statunitense di adozione italiana) alla Vaccheria dell’EUR a Roma, intitolata "From Pop to Eternity" che ha riscosso una enorme affluenza di pubblico.

La mostra è curata da Gianfranco Rosini e organizzata da IconArs, con il supporto di Roma Capitale e Zètema Progetto Cultura con le ambientazioni artistiche ideate e realizzate da Francesco Mazzei e Giuliano Gasparotti per Kif Italia.

Il catalogo è edito da RG – Collezione Rosini Gutman.

Ha accolto il grande pubblico fra le personalità del mondo dell’arte, della cultura e dello spettacolo intervenute Titti Di Salvo, in qualità di Presidente del Municipio Roma IX EUR, che ha avuto un ruolo fondamentale nella realizzazione della mostra “From Pop to Eternity” dedicata a Mark Kostabi, dando un forte contribuito a rafforzare l’identità della Vaccheria come “Casa della Pop Art” e rendendola un punto di riferimento importante per l’arte contemporanea a Roma.

Il suo impegno, ha reso possibile eventi che non solo celebrano l’arte, ma onorano anche il valore della cultura come bene pubblico, l’ingresso alla Vaccheria infatti è gratuito.

Dal 12 settembre 2025 al 29 marzo oltre 100 lavori tra sculture, oli su tela, disegni e tecniche miste, sono un caleidoscopio visivo che mescola Pop Art, Surrealismo e provocazione concettuale.

Le opere sono caratterizzate da figure senza volto e senza tempo, composizioni che esplorano la solitudine, le relazioni interpersonali e la tensione emotiva, con colori vivaci e contrasti drammatici.

Temi come l'alienazione, il capitalismo e le relazioni moderne, vengono affrontate con un tocco di ironia tipica di Kostabi, noto anche per il suo approccio provocatorio.

Kostabi non si limita a dipingere ma crea un universo visivo che mette in discussione il ruolo dell’artista, il valore dell’opera e il senso dell’identità e come i grandi maestri del passato l'artista ha realizzato quella che si potrebbe definire una vera a propria scuola dell'arte, delegando spesso la realizzazione di molte sue opere a un team di assistenti, che gestiscono il suo studio come una "bottega globale".

Gli ospiti intervenuti ieri hanno hanno potuto apprezzare oltre alle opere, il Mark Kostabi musicista per l' EVENTO MUSICALE del Pop PartY in compagnia di ospiti prestigiosi come Tony Esposito (figura emblematica della musica italiana e internazionale) , Greesi Desiree Langovits (cantante dalla voce raffinata e intensa) e Sasa Flauto (produttore musicale e arrangiatore) che si sono esibiti in una performance musicale emozionante e sensoriale offrendo al pubblico affascinato una performance dall’esperienza immersiva e originale.

Fra il pubblico presente anche il regista e attore Bruno Colella autore del film film My Italy che verrà proiettato domenica 14 settembre all'interno del FESTIVAL | Pop Art Fest.

FESTIVAL | Pop Art Fest

Dal 12 al 14 settembre, in concomitanza con il primo fine settimana di apertura al pubblico della mostra, tornerà anche l’appuntamento con il Pop Art Fest, evento gratuito dedicato alla cultura Pop confermato per questa seconda edizione dopo il successo dello scorso anno. Tre giorni di iniziative, incontri, proiezioni, concerti e visite guidate che allieteranno il pubblico della Casa della Pop Art. Si comincia venerdì 12 settembre con la proiezione de Il fantasma del palcoscenico di Brian De Palma (ore 20.30), seguito dalla musica dal vivo e djset (ore 22.00). Sabato 13 settembre, si prosegue con la visita guidata della mostra (ore 17.00), la lectio magistralis del curatore Gianfranco Rosini (ore 18.30) e la proiezione di Yellow Submarine di George Dunning (ore 20.30). Al termine della giornata, consueta chiusura con musica dal vivo e djset (ore 22.00). Gran finale domenica 14 settembre con la lectio magistralis di Mark Kostabi (ore 18.30) e la proiezione del film My Italy, realizzato dal regista e attore Bruno Colella e interpretato da artisti e attori di fama internazionale, fra i quali, per citarne solo alcuni: Sebastiano Somma, Thorsten Kirchhoff, Krzysztof M. Bednarski, Lina Sastri, Luisa Ranieri, Piera Degli Esposti, Alessandro Haber, Nino Frassica, Rocco Papaleo, Nicola Vorelli, Angelo Bassi, Remo Remotti, Edoardo Bennato, Eugenio Bennato, Serena Grandi, Pietra Montecorvino, H.H. Lim, Enzo Gragnaniello, Rino Barillari, Achille Bonito Oliva, Tony Esposito e, naturalmente, Bruno Colella e Mark Kostabi.

FROM POP TO ETERNITY | 12 settembre 2025 - 29 marzo 2026

La Vaccheria “Casa della Pop Art” – Via Giovanni L’Eltore, 35
(Municipio IX)

Ingresso gratuito:

Orari: dal martedì al giovedì dalle 9 alle 13. Venerdì, sabato e domenica dalle 9 alle 19. Chiusura il lunedì.

Info: tel. 06 69612221 | www.lavaccheriaroma.it

Informazioni sulle opere: tel. 3483055725 | art.iconars@gmail.com

LA MIGNIFICIENZA DELLA MOSTRA A ROMA "DALLE MANI AL CUORE" DI DOLCE E GABBANA AL PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI.

Fri, 18 Jul 2025 09:13:31 GMT

"DALLE MANI AL CUORE" DI DOLCE E GABBANA AL PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI.

La mostra “Dal Cuore alle Mani – Dolce&Gabbana” al Palazzo delle Esposizioni di Roma è un vero trionfo dell’eleganza e dell’artigianalità italiana.

Aperta fino al 13 agosto 2025, questa esposizione celebra 40 anni di creatività della celebre maison, offrendo un viaggio immersivo tra moda, arte e cultura.

Oltre 200 creazioni uniche: abiti, gioielli, accessori e opere d’arte che raccontano il processo creativo “dal cuore alle mani.

Abiti sontuosi, Alta Gioielleria, Installazioni digitali e visive, Costumi ispirati all’Opera e al Balletto, Bozzetti e fotografie storiche.

14 sale immersive: scenografie spettacolari curate da Florence Müller e Agence Galuchat, che esplorano temi come il Barocco Bianco, le Tradizioni Siciliane, l’Opera e il Cinema.

Un Omaggio all’Italia: ogni sezione riflette le radici culturali italiane, dall’artigianato sardo ai ricami ispirati alle maioliche di Capri, al folclore e i colori della Sicilia.

Tra gli artisti coinvolti, spicca Anh Duong, artista francese di origini spagnole-vietnamite, che espone opere e autoritratti in cui indossa le creazioni di Dolce&Gabbana.

È molto più di una mostra: è un omaggio visivo alla grande bellezza italiana, un ponte tra passato e presente, tra tradizione e innovazione. Chi ama la moda, l’arte o semplicemente vuole lasciarsi incantare, questa è una tappa imperdibile.

‘SMS SUMMER MIIT SCHOOL. TRADIZIONE E NUOVE TENOLOGIE NELL’ARTE’

Wed, 09 Jul 2025 06:54:51 GMT

"SMS SUMMER MIIT SCHOOL. TRADIZIONE E NUOVE TENOLOGIE NELL’ARTE".

E dopo aver vinto il “Premio Austria 2025” l'artista Roberta Gulotta verrà ospitata presso il prestigioso Museo MIIT di Torino per una nuova rassegna d'arte.

L'opera dal titolo “Urbem et Tempus” verrà esposta dal 10 luglio 2025 al 2 agosto 2025 per la rassegna 'SMS SUMMER MIIT SCHOOL. TRADIZIONE E NUOVE TENOLOGIE NELL’ARTE’.

Sarà un'esposizione internazionale dedicata all'eccellenza artistica che vede la ricerca in ogni ambito creativo, dalla bellezza, allo stile figurativo, all'astratto-informale al tecnologico da parte di artisti internazionali accuratamente selezionati e scelti.

L'artista Roberta Gulotta si dice onorata di partecipare e ringrazia il Comitato Scientifico del Museo MIIT di Torino per la selezione e lo storico, critico e curatore d'arte, Guido Folco Direttore e Presidente del Museo MIIT a Torino e Presidente dello spazio museale espositivo del Gruppo editoriale ITALIA ARTE.

L'opera "Urbem et Tempus" è una ricerca che tocca un tema che le è sempre stato caro, ovvero quello del “TEMPO”.

Uno studio elaborato intorno alla quotidianità e alle nostre città (ci confida) con un gioco di simboli e prospettive che richiamano ai grandi maestri delle avanguardie artistiche.

Giochi geometrici, immagini, raffigurazioni e oggetti che rimandano al nostro consueto, un dipanarsi e destreggiarsi nell'ordinarietà di ognuno attraverso anche le più banali abitudini come ad esempio il caffè. Nell'opera troveremo l'immancabile clessidra, i ricorrenti ingranaggi meccanici simili a quelli degli orologi, ed i palazzi di una fantasiosa città, una barca a vela si scorge all'interno di una delle tazze di caffè quasi a raffigurare un viaggio, quello della fantasia.

La mostra 'SMS - SUMMER MIIT SCHOOL. TRADIZIONE E NUOVE TENOLOGIE NELL’ARTE’', intende coinvolgere gli artisti dai più tradizionali a quelli che fanno della ricerca la loro elaborazione stilistica ed estetica, uno studio del linguaggio espressivo attraverso la pittura, la scultura, la fotografia.

Diversi stili per una testimonianza di come l'evoluzione dell'arte contemporanea possa partire dalla storia e dalla cultura più tradizionali sino ad arrivare alle nuove tecnologie prestate alla creatività, un'unione che ci parla anche di tecnologia abbinata all'arte e al design, di tradizione e innovazione, di realtà aumentata e di sperimentazione.

INAUGURAZIONE il 10 Luglio 2025 ore 18,00

presso Corso Cairoli 4 - Torino

Dal 10 Luglio al 2 agosto 2025

www.museomiit.it

www.roberta-gulotta.com

A Palazzo Bonaparte una nuova mostra fotografica, Elliott Erwitt Icons

Sat, 28 Jun 2025 10:23:06 GMT

Elliott Erwitt a Palazzo Bonaparte, Roma.

Dal 28 giugno al 21 settembre 2025, Palazzo Bonaparte ospita la mostra “Elliott Erwitt. Icons”, una retrospettiva imperdibile dedicata al celebre fotografo franco-americano, maestro dell’ironia visiva e dell’empatia fotografica.

Oltre 80 fotografie iconiche in bianco e nero, selezionate personalmente da Erwitt.

Ritratti di celebrità come Marilyn Monroe, Che Guevara, Fidel Castro, Grace Kelly, fotografie che hanno fatto la storia come il famoso diverbio tra Nixon e Krusciov e la foto del funerale di Kennedy. Non mancano i suoi celebri scatti “dal punto di vista dei cani”, le ironiche scene di vita quotidiana trasformate in pura poesia visiva, scatti divenuti iconici e immagini che raccontano la famiglia, i giochi da bambini e gli attimi di ilarità che talvolta accompagna la fanciullezza, l'amore, l'istante il tutto raccontato con apparente leggerezza ma con grande profondità.

Così Iole Siena (Presidentessa di Arthemisia):

"Accogliere le fotografie di Elliott Erwitt a Palazzo Bonaparte, il luogo delle più grandi mostre a Roma e in Italia, è per noi non solo un onore, ma anche una grande emozione. Le sue immagini – ironiche, eleganti, a volte pungenti, sempre profondamente umane – ci ricordano che lo straordinario si nasconde nell’ordinario, e che la bellezza può essere anche un sorriso lieve, colto al volo prima che svanisca. Erwitt non ha mai alzato la voce, eppure ha detto moltissimo. Con il suo sguardo gentile e arguto ha raccontato il mondo per come è, senza mai forzarlo. Ha fotografato presidenti e passanti, cani e bambini, amanti e solitudini, sempre con lo stesso rispetto, con la stessa curiosità. In queste sale romane, dove la storia si affaccia su Piazza Venezia, la sua fotografia trova uno spazio naturale: perché anche qui convivono il rigore e la sorpresa, la memoria e il gioco, l’istante e l’eternità. Il nostro augurio è che Erwitt e questa mostra vi facciano sorridere, riflettere, e magari anche commuovere".

La Mostra è stata curata da Biba Giacchetti storica collaboratrice di Elliott Erwitt, la quale ha ricordato aneddoti ed episodi definendo il fotografo un grande Maestro di vita, quasi un padre per lei ed esprimendo un profonda stima ed un grande affetto. Nelle sue parole il ricordo di diverse esposizioni realizzate insieme e l'accurata scelta delle foto dettata dalla sensibilità e dalla grande maestria che rese Erwitt non solo un esperto della fotografia, ma anche un grande narratore visivo capace di trasformare l’ordinario in straordinario attraverso lo sguardo ironico apparentemente distaccato ma in fondo attento al dettaglio e all'emozione.

Elliott Erwitt è stato un indiscusso maestro della fotografia in bianco e nero, un protagonista della cultura visiva del nostro tempo. Le sue immagini, i suoi reportage, le sue illustrazioni e le campagne pubblicitarie sono entrate nell'immaginario collettivo internazionale influenzando generazioni di fotografi e artisti. Questa mostra è un viaggio nella magia attraverso i suoi occhi, con uno sguardo aperto sul mondo, fatto di istanti, curiosità e una profonda sintesi concettuale.

“Elliott Erwitt. Icons”

Palazzo Bonaparte Piazza Venezia, 5 (angolo Via del Corso) 00186 – Roma

Date al pubblico dal 28 giugno 2025 al 21 settembre 2025

Una mostra prodotta e organizzata da Arthemisia in collaborazione con Orion57 Bridgeconsultingpro In partnership con Fondazione Terzo Pilastro Internazionale - Fondazione Cultura e Arte Poema

Mostra a cura di Biba Giacchetti con l’assistenza tecnica di Gabriele Accornero

Special partner Ricola

Mobility partner Freccia Rossa Treno Ufficiale

Sponsor tecnico Ferrari Trento

"Amano Corpus Animae" al Museo di Roma Palazzo Braschi in Roma

Thu, 26 Jun 2025 09:09:53 GMT

Per tutti gli appassionati del genere fino al 12 ottobre 2025 sarà visitabile al Museo di Roma Palazzo Braschi la più grande mostra europea di Yoshitaka Amano, “Amano Corpus Animae” inaugurata il 28 marzo 2025.

Realizzata in collaborazione con Lucca Comics & Games e curata da Fabio Viola, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Sovrintendenza Capitolina ai Beni e celebra i 50 anni di carriera di Amano con oltre 200 opere originali, tra cui oggetti di culto, le famose anime, illustrazioni iconiche e pezzi di grande valore mai visti prima.

Il maestro è famoso per il suo contributo al mondo dell’animazione, dei manga, della moda e del videogioco, consacrandolo nell’olimpo degli artisti contemporanei tra i più amati.

L’artista Fantasy ha anche firmato la copertina di Vogue Italia per il mese gennaio 2020 un evento davvero unico ritraendo la modella Lindsey Wixson in un abito Gucci, fondendo così moda e arte.

Etereo, onirico e profondamente evocativo lo stile di Yoshitaka Amano unisce influenze che vanno dall’Art Nouveau alle stampe giapponesi ukiyo-e, dal simbolismo europeo allo studio dei fumetti e della cultura occidentale.

I suoi personaggi fantasiosi e colorati sembrano sospesi in universi paralleli tra sogno e mito, con abiti ed atmosfere surreali che li rendono unici nel loro genere.

La mostra è divisa in cinque sezioni immersive, che ripercorrono il suo viaggio dai primi giorni dell'animazione di Tatsunoko al suo leggendario lavoro su Final Fantasy, Vampire Hunter D e alle collaborazioni con Neil Gaiman e Michael Moorcock.

Esposte, in questa occasione, le sue copertine variant per Batman, Sandman e Magic: The Gathering, oltre a una straordinaria trilogia ispirata alle opere di Puccini creata per Lucca Comics & Games.

Se si è appassionati del genere fantasy, la mostra è assolutamente da non perdere. Si potranno vedere opere originali, mai esposte in Italia che raccontano la collaborazione di Yoshitaka Amano con il celebre Michael Moorcock, senza dubbio uno dei più importanti esponenti della letteratura fantastica.

I visitatori potranno inoltre godere di un viaggio nella storia dell’animazione e dell’intrattenimento mondiale.

IL PERCORSO ESPOSITIVO

Le installazioni site-specific che compongono questo percorso rendono originale l’esposizione in un’ottica museale che, con luci, fondali e colori, esalta gli innumerevoli originali che la compongono in un percorso in grado di coinvolgere la memoria emotiva del visitatore.

Così come la produzione artistica di Amano l’esposizione Amano Corpus Animae vuole essere una sequenza di narrazioni in grado di ripercorrere le tante anime dell’autore.

La mostra si articola in cinque sezioni che permettono l’ingresso nel mondo del Maestro tramite opere iconiche ormai impresse nell'immaginario collettivo: dai primi disegni per l’animazione del periodo Tatsunoko alle variant cover di Batman o Superman; dal Pinocchio dei primi anni ‘70 ai disegni originali di Final Fantasy che sono esposti per la prima volta in Europa; fino alle opere inedite del 2024 come quella in tre atti, legata al Centenario Pucciniano, con cui Amano ha voluto omaggiare Lucca Comics & Games disegnandone i tre poster per l'ultima edizione della manifestazione.

In mostra anche cinque opere tattili del maestro Amano pensate per il pubblico non vedente o ipovedente.

Ad aprire l'esposizione, character room, diorama de Il ragazzo di Shizuoka, i cui riferimenti alla formazione di Amano sono restituiti con una iconografia tradizionale e biografica, fatta di frammenti di memoria che si intravvedono come ricordi degli anni trascorsi in Tatsunoko (1967-1982): il leggendario studio di animazione giapponese dove Amano contribuì alla nascita di iconici cartoni animati trasmessi in tutto il mondo. Si possono ammirare visual legati a produzioni entrate nella vita di milioni di persone

come Hurricane Polimar, Gatchaman,
Tekkaman, Pinocchio, Ape Magà, Time Bokan . Un tuffo nelle origini del maestro di Shizuoka per ammirare i primi passi di Amano come artista indipendente: è proprio qui che si possono vedere oggetti di culto che hanno accompagnato il sensei nel suo percorso artistico. Una carriera, avviata all’inizio degli anni ‘80, caratterizzata dai lavori per centinaia di copertine di libri. Sono gli anni dei primi successi internazionali con le tavole realizzate per Vampire Hunter D di Kikuchi e la sperimentazione visiva con la pellicola animata Angel’s Egg realizzata con Mamoru Oshii. Le opere presenti in questo spazio rappresentano i “blueprint” di quella che sarà la produzione successiva che consacrerà l’opera dell’artista.

La seconda sezione, denominata Icons, è dedicata alla celebrazione dell’ingresso di Yoshitaka Amano nella cultura pop occidentale con le tavole originali di Sandman. Cacciatori di Sogni nate dalla collaborazione con Neil Gaiman nel 1999 ma anche le copertine alternative realizzate per alcuni fumetti americani come Batman, Batgirls, Superman, Harley Quinn, Elektra e Wolverine.

All’interno di tre speciali docce sonore sono esposte: la carta di Magic: The Gathering, il poster di The Shape of Water che Amano disegnò per l’uscita del film nel mercato giapponese, la copertina di un disco di David Bowie. Ciascuna opera è accompagnata da una propria sonorità. Il percorso riprende con le Candy Girls, la galleria di ritratti illustrati e specchiati.

Avviandosi verso la metà della mostra si incontra la sezione Game Master, con i disegni originali realizzati con acrilico su carta per la serie che ha cambiato per sempre il genere del gioco di ruolo. Un lungo excursus con tavole che coprono quasi quarant’anni del capolavoro Square Enix, dal primo capitolo del 1987, fino a Final Fantasy XVI. Attraverso un parallelismo tra packaging finale e disegno originale, sarà possibile ripercorrere l’evoluzione dei loghi e immagini di copertina oltre ad ammirare i personaggi della saga. Saranno esposti, inoltre, anche altri videogiochi che hanno visto all’opera il maestro Amano.

Nell’ultima sezione Free Spirit, che rappresenta l'ingresso alla maturità artistica di Amano, compaiono in mostra tre nuove opere del maestro che raccontano il suo rapporto con la mitologia greco-romana. Qui si raccolgono anche le opere che raccontano il rapporto del Maestro di Shizuoka con Lucca Comics & Games 2024: la trilogia degli official poster in omaggio a Puccini realizzati dal Maestro dedicati rispettivamente a Tosca, Madama Butterfly e Turandot , che gli sono valsi il titolo di Ambassador del Padiglione Italia a Expo 2025 Osaka.

La mostra è corredata della seconda edizione del catalogo dedicato ad Amano Corpus Animae arricchito dalle nuove opere esposte a Palazzo Braschi.

(A cura di Roberta Gulotta - Foto di Roberta Gulotta)

GEORGE HOYNINGEN HUENE ART.FASHION.CINEMA a Palazzo Braschi, Roma

Thu, 26 Jun 2025 08:49:28 GMT

Il Museo di Roma a Palazzo Braschi ospita, dal 25 giugno al 19 ottobre 2025, “George Hoyningen-Huene. Art.Fashion.Cinema”.

Presentata alla stampa a Roma il 24 giugno 2025 la mostra presso il Museo di Roma a Palazzo Braschi che ospita dal 25 giugno al 19 ottobre 2025, le opere di uno dei fotografi di moda e ritrattista tra i più iconici e che ha influenzato l'arte della fotografia del XX secolo “George Hoyningen-Huene. Art.Fashion.Cinema”.

Sono intervenute Ilaria Miarelli Mariani (Direttrice della Direzione Musei Civici della Sovrintendenza Capitolina), Giulia Fortunato (CEO CMS.Cultura) Susanna Brown (Curatrice della mostra) e Tommy Rönngren (collezionista d'arte e imprenditore svedese custode e proprietario insieme alla moglie Asa del George Hoyningen-Huene Estate Archives).

L’esposizione, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali è realizzata da CMS.Cultura, con il patrocinio del Ministero della Cultura e dell’Institut Français Italia, in collaborazione con l’Archivio George Hoyningen-Huene (Stoccolma, Svezia) e celebra i 125 anni dalla nascita dell'artista.

E' stato un fotografo di moda e ritrattista, nelle sue foto si nota una fusione tra surrealismo, classicismo e avanguardia che lo portò alla collaborazione con case di moda di alto calibro ed icone del mondo cinema, dell'arte e della cultura.

Una sperimentazione che unisce eleganza ed arte visiva con un gioco di luci ed ombre, esaltata prevalentemente nelle foto in bianco e nero rendendo i suoi lavori iconici ed un punto di riferimento per intere generazioni di fotografi.

Curata da Susanna Brown, che per oltre dodici anni è stata curatrice del Victoria & Albert Museum di Londra, la mostra è una prima assoluta per Roma, dopo il successo a Palazzo Reale di Milano.

Oltre 100 fotografie sono distribuite in 10 sezioni differenti e sono presenti stampe al platino che impreziosiscono ed esaltano lo stile elegante e sobrio del fotografo nato a San Pietroburgo il 4 settembre 1900 e scomparso a Los Angeles il 13 settembre 1968. Il suo uso innovativo delle tecniche di stampa, le sue influenze artistiche e le sue amicizie lo resero abile nella complessità compositiva con richiami all' Art Deco, al classicismo e al surrealismo.

Tommy Rönngren e sua moglie Åsa hanno acquisito gli archivi della George Hoyningen-Huene Estate, trasferendo così gli Archivi dalla Florida ad una nuova sede a Stoccolma, in Svezia.

Collezionista d'arte e imprenditore svedese Tommy Rönngren è anche socio di Fotografiska – il Museo della Fotografia lanciato a Stoccolma nel 2010 che presenta il lavoro di fotografi di spicco offrendo spazi inclusivi per mostre.

L’esposizione a Palazzo Braschi ripercorre la carriera di George Hoyningen-Huene, figlio di un’altolocata americana e di un barone estone, lascia la Russia e scappa con la famiglia prima a Londra dopo la rivoluzione d’ottobre, per poi trasferirsi nel 1920 a Parigi dove entrò in contatto con l’avanguardia artistica e culturale, diventando amico di Man Ray e di importanti surrealisti come Salvador Dalí, Pablo Picasso, Lee Miller e Jean Cocteau e di figure di spicco come Coco Chanel, Greta Garbo e Marlene Dietrich. La sua esperienza e le sue amicizie lo portarono a unire sperimentazione artistica e fotografia tra arte, moda e cinema in maniera innovativa e facendo di lui una figura unica del Novecento.

Divenne Capo fotografo di Vogue Francia, carica che ricoprì dal 1926 al 1935. Nel 1935, a seguito di una disputa contrattuale Hoyningen-Huene abbandona Vogue e si unisce al team della rivista rivale Harper's Bazaar con 2.000 fotografie pubblicate ed una vastità di produzione.

Ma nella sua carriera si lascia affascinare anche dall'industria cinematografica tanto da intrecciare la sua carriera fotografica con il mondo della settima arte.

Tra le foto più iconiche della mostra vedremo:

Josephine Baker (1929); Divers, Horst and Lee miller – Parigi (1930); photographing Rita Hayworth (1943); Princess Natasha Paley (1930);

Lee Miller e Agneta Fischer (1932); Portrait of the Dalís in L'Instant Sublime (1939); Ava Gardner (1965) solo per citarne alcune.

Definito da Richard Avedon “un genio, il maestro di tutti noi”, grazie ai ritratti e alle composizioni fotografiche – tra le più sorprendenti del ventesimo secolo – George Hoyningen-Huene è tra i primi negli anni Venti e Trenta a catturare lo stile delle case di moda haute couture di Parigi, tra cui Chanel, Balenciaga, Schiaparelli e il gioielliere Cartier ma non sono mancate anche altre prestigiose collaborazioni.

LE SEZIONI

La mostra prende avvio da una prima sala introduttiva, GEORGE HOYNINGEN-HUENE: VISIONI DI UN’EPOCA, che presenta fotografie con annotazioni a mano e dati per catalogazioni. Segue la sezione TRA JAZZ E BALLETS RUSSES: SOGNI DI BELLEZZA NELLA VILLE LUMIÈRE, introdotta da un video che riporta il visitatore nell’atmosfera parigina del tempo. Le fotografie testimoniano il vivace contesto culturale dell’epoca, tra cui spiccano quelle scattate ai Ballets Russes di Diaghilev, a Serge Lifar e Olga Spessivtzeva che danzano con i costumi disegnati da Giorgio de Chirico, o a Josephine Baker e Jean Barry che ballano al ritmo del jazz.

LA MODA MARE E IL FASCINO DEL CORPO IDEALE raccoglie una serie di foto che raccontano la moda del tempo, come Divers, che immortala i fotografi Horst P. Horst e Lee Miller di spalle in uno dei più iconici scatti di moda del XX secolo, scelto da Anna Wintour tra i suoi cinque preferiti della lunga storia di Vogue.

Corpi avvolti da drappeggi e scolpiti dalla luce in pose quasi scultoree sono al centro di RIFLESSI DI ANTICHITÀ, sezione che testimonia la fascinazione del fotografo per la bellezza ideale e le proporzioni perfette dell’arte classica, che ripropone in scatti dove il gioco di chiaroscuri contribuisce alla creazione di un’atmosfera unica.

Una piccola e squisita sezione è dedicata ai viaggi, MIRAGGI DI LUCE: L’ODISSEA VISIVA DI HUENE, che Huene realizzò tra Tunisia, Algeria, Egitto e Grecia, in cui scattò le fotografie poi confluite in cinque suoi libri: African Mirage. The Record of a Journey (1938); Hellas (1943); Egitto (1943); Patrimonio messicano (1946) e Baalbek/Palmyra (1946).

SCULTURE DI LUCE: IL NUDO MASCHILE TRA CLASSICO E MODERNO, soggetto interpretato spesso attraverso un’illuminazione a luce diffusa e una cura esasperata della composizione, che facevano sembrare gli scatti in studio realizzati en plen air, è anche il titolo della sezione che segna il passaggio di testimone a Vogue tra lui e Horst, quando Huene nel 1936 si trasferisce a New York a capo della redazione di Harper’s Bazaar. Dieci anni dopo, nel 1946, è a Hollywood con il premio Oscar George Cukor, dove raggiunge gli amici Man Ray e Max Ernst e si afferma come ritrattista dei divi e consulente del colore per Cukor e altri grandi registi.

Nel 1930 Huene immortalò un giovane Jean Cocteau in un ritratto emblematico del fascino magnetico dell’artista, presente in mostra con il film IL SANGUE DI UN POETA. Protagonista della pellicola visionaria è Lee Miller, modella e fotografa che nella finzione interpreta una dea moderna, dal fascino mitologico, scolpita nel marmo dell’immaginazione, ma al tempo stesso costretta a un mutismo che insieme al trucco pesante sembra imprigionarne la figura. LEE MILLER è tra le protagoniste di questa esposizione: legata a Huene da una profonda amicizia e da una visione estetica raffinata, fu modella per Vogue e soggetto di alcuni dei suoi scatti più iconici. Da Huene e Man Ray apprese i segreti della fotografia, divenendo in seguito lei stessa una fotografa di talento e una reporter di guerra. Negli anni Trenta, i due condivisero un’intensa collaborazione artistica.

L’estratto del film di Cocteau introduce alla sezione L’ESSENZA DEL SOGNO: HUENE, CHANEL E L’INFLUENZA DEL SURREALISMO. Huene guardò infatti al Surrealismo tanto da trasportarne alcuni elementi nel suo lavoro, come le composizioni insolite, la manipolazione della realtà e le atmosfere sospese e oniriche, rendendo dei semplici ritratti di moda delle autentiche opere d'arte visiva. Un’integrazione raccontata nella sezione, soffermandosi in particolare sulla collaborazione con due case di moda, di cui riuscì a cogliere le anime contrastanti: da un lato l’audacia artistica e sperimentale di Schiaparelli, dall’altro la modernità sobria e rivoluzionaria di Coco Chanel.

MODELLE SENZA TEMPO: NUOVE ICONE DELLA MODERNITÀ raccoglie le opere che hanno consacrato l’autore tra i più importanti professionisti dell’epoca, quelle dedicate alle sue muse più celebri, come Agneta Fischer e Lee Miller in composizioni anche surrealiste. Celebre lo scatto per Vogue Francia in cui il volto di Lee Miller fluttua nello spazio su fondo nero mentre, come una chiromante, regge una sfera di cristallo in cui appare l’amica e modella Agneta Fisher. Nel 1942, Miller renderà omaggio al suo maestro Huene con una fotografia simile realizzata per British Vogue.

LA MODA DI HARPER’S BAZAAR, con fotografie e riviste d’archivio che testimoniano la rivoluzione che il lavoro del fotografo portò nel mondo della moda. Tra queste l’iconica Divers, Horst and Lee Miller, Swimwear by Izod, dove la modella posò di spalle insieme al fotografo Horst P. Horst, allievo e compagno di Hoyningen-Huene.

Ingrid Bergman, Charlie Chaplin, Greta Garbo, Ava Gardner, Katharine Hepburn sono solo alcune delle star, una volta negli Stati Uniti, che Huene ha immortalato e che in mostra sono raccolte nell’ultima sezione HOLLYWOOD E L’INCANTO DEL CINEMA. Dal 1954 al 1963 lavora come coordinatore del colore a Hollywood e affianca registi, costumisti, direttori della fotografia e scenografi. Una delle sue collaborazioni cinematografiche più importanti è quella con George Cukor. I due sono legati da una profonda e tenera amicizia. Huene progetta per lui una sezione del magnifico giardino della sua villa a Los Angeles: punto di riferimento e d’incontro per la comunità queer di Hollywood.

Huene attinge regolarmente alla propria conoscenza della storia dell’arte per trovare esempi delle combinazioni di colori che voleva ottenere sullo schermo. In una scena memorabile di Il diavolo in calzoncini rosa, il personaggio interpretato da Sophia Loren appare sulla soglia della sua camera da letto in una sinfonia di azzurri che trae ispirazione dal dipinto Nanà (1877) di Édouard Manet. Sarà poi il costumista dello sfarzoso film Olympia, sempre con Loren come protagonista. In mostra anche alcuni estratti video di questi film. Con la Divina Sophia instaura un legame duraturo di grande amicizia e si scambieranno affettuose lettere colme di stima reciproca. Sophia Loren nel 1961 gli scrive: “Spero che vedrai prestissimo il mio film italiano La ciociara, e apprezzerei molto se mi scrivessi il tuo parere personale perché ci tengo moltissimo”.

Tra il 1946 e il 1950 realizza alcuni documentari in prima persona, tra cui The Garden of Hieronymus Bosch e Daphni: Virgin of the Golden Laurels. Nel 1968 aveva in programma un libro contenente i suoi scatti più belli e numerosi progetti fotografici, viene però colpito da un ictus e muore improvvisamente il 12 settembre dello stesso anno nella sua casa di Los Angeles. Cukor sarà il primo a sapere della sua morte.

Nel 2020 l’archivio Hoyningen-Huene viene acquisito da Tommy e Åsa Rönngren e spostato a Stoccolma, in Svezia. Il George Hoyningen-Huene Estate si occupa dello studio, conservazione, valorizzazione e promozione delle opere di questo straordinario autore.

Audioguide gratuite in italiano e in inglese accompagnano il visitatore.

La mostra si arricchisce di un ampio catalogo edito da Moebius edizioni.

Radio Monte Carlo è radio ufficiale della mostra.

Media partner: Sky Arte.

Il Trofeo "PREMIO CINEMA" assegnato a personalità del mondo del cinema e dello spettacolo

Wed, 18 Jun 2025 17:12:20 GMT

Roberta Gulotta ha ideato e creato - in collaborazione con l’Annuario del Cinema italiano & Audiovisivi - il Trofeo Premio Cinema che è stato assegnato nel corso degli anni, a personalità del mondo del cinema e dello spettacolo .

L' Opera ideata e realizzata dall'Artista Roberta Gulotta, in collaborazione con l'Annuario del Cinema Italiano & Audiovisivi, un Premio divenuto lo specifico Trofeo che l'Annuario ha assegnato ad un personaggio che si fosse particolarmente distinto per il suo percorso professionale, nel mondo dello spettacolo e del cinema e, nel corso degli anni è stato consegnato a personalità di alta rilevanza quali: Orso Maria Guerrini, Adelmo Togliani, Umberto Scipione, Enrico Vanzina, Roberto Chevalier, Chiara Francini, Carolina Crescentini, Luca Manfredi.

DESCRIZIONE della scultura:
"Il riconoscimento che ho ideato, creato e realizzato, rappresenta una sorta di piccolo universo ed una macchina del tempo.
Mi sono ispirata alle simbologie geometriche dell'infinito e spesso sono presenti nelle mie opere alcune spirali di rame, materiale nobile scelto non solo per la sua duttilità, ma anche per la lucentezza e per la sua proprietà meccanica.
Spesso il materiale viene associato anche al simbolo di fertilità creativa.

Il Trofeo nel suo complesso ha una struttura che presenta anche due sfere di cristallo, come una sorta di pianeti, una preziosa trasparenza e mistica eleganza a simboleggiar un mondo cosmico.

La "Divina sfera" emblema di perfezione, è un cerchio magico in cui raccoglie le proprie idee un nucleo apparentemente definito che può diventare un Universo sconfinato, come vasta è la creatività di ogni Artista, che vive una dimensione cosmica parallela tra la fantasia e la realtà, un misterioso luogo per creare con estro, genio, ed intelletto".

Ho pensato e studiato una proporzione di simboli che avessero un equilibrio ed un'armonia nella compatta composizione spaziale.
La SFERA e la SPIRALE concetti semplici, dallo stile essenziale, geometrie evocative di un percorso artistico come quello cinematografico, una sorta di macchina del tempo simile ad una arcaica e complessa cinepresa.

Il mio omaggio alla Grande Anna Magnani, il quadro.

Tue, 17 Jun 2025 21:32:39 GMT

Il mio omaggio alla Grande Anna Magnani non solo la Targa-Premio ma anche il quadro.

Una donna dal carattere forte e dallo sguardo intenso. Amatissima dal grande pubblico sino ai giorni nostri, una icona indimenticabile del panorama cinematografico italiano.

E' stato per me un grande onore ed una grande emozione, realizzare un'opera che raffigurasse una donna intensa come la grande Anna Magnani.

Fra i principali pensieri dell'impresa, uno su tutti : "quale lo stile più adatto da usare?".

Nannarella, come veniva chiamata affettuosamente a Roma, è stata una grande donna, una guerriera dalla vita non facile, carismatica, fiera, istintiva, intensa, misteriosa, sanguigna, magnanima, passionale, tanti gli aggettivi che la potrebbero raffigurare, uno su tutti è indubbiamente “unica”.

Per realizzare l'opera sono andata a ritroso cercando aneddoti della sua vita personale, pezzi di film, interviste, curiosità, tentando diversi bozzetti che la potessero in qualche modo descrivere, con diversi stili, dal più classico al più azzardato, ma lei era ed è a tutt'oggi una donna moderna.

La Magnani era appassionata di arte, amica dei grandi maestri del '900 è stata ritratta da numerosi artisti contemporanei, con le tecniche più versatili che vanno dalla fotografia alla pittura.
Quindi quale lo stile più appropriato per ritrarre una donna passionale, istintiva ed intensa del calibro di Nannarella?
Non restava altro che lasciarsi guidare nelle passioni, dall'audacia, dalla forza e dal cuore, della persona e l'opera in fin prese forma.

Lo sguardo intenso rivolto verso il pubblico, fiera, circondata tra mille colori, in un gioco di contrasti di chiaro scuri, un rimando che evidenzia il fatto che le sue storiche interpretazioni sono state per film dalle pellicole in bianco e nero, tipiche del cinema dell'epoca.

E così giocando fra luci ed ombre, "eccola".
La mia Anna Magnani è un'opera “pop” realizzata con tecnica mista, matita e pennello virtuale su supporto poliform.

Ogni artista interpreta ciò che sente passando attraverso la tecnica e le mani sono il mezzo tra il pensiero ed il cuore sino a giungere al compimento dell'opera stessa.

Penso che il più grande regalo che un artista possa fare sia donare il proprio lavoro frutto di ricerca e sentimento.

(Foto, opera e testo di Roberta Gulotta)

ROBERTA GULOTTA: COME E' NATO il "MIO" PREMIO

Mon, 16 Jun 2025 15:18:58 GMT

Come è nato il mio omaggio alla Grande Anna Magnani diventando Targa-Premio.

E' stato per me un grande onore, oltre che una grande emozione, realizzare un'opera che raffigurasse la grande Anna Magnani. Fra i principali pensieri dell'impresa, uno su tutti : "quale lo stile migliore?".

Nannarella, come era chiamata affettuosamente a Roma, è stata una grande donna, una guerriera dalla vita non facile, carismatica, fiera, istintiva, intensa, misteriosa, sanguigna, magnanima, passionale, tanti gli aggettivi che le spettano, e indubbiamente anche “unica”.

Per realizzare l'opera sono andata a ritroso cercando aneddoti della sua vita personale, pezzi di film, interviste, curiosità e ho tentato diversi bozzetti che la potessero in qualche modo descrivere, con diversi stili, dal più classico al più azzardato, ma lei era ed è a tutt'oggi una donna moderna.

Appassionata di arte, amica e ritratta da numerosi artisti contemporanei, quale lo stile più appropriato? Sino a quando lasciandomi guidare, l'opera ha preso forma.

Lo sguardo rivolto verso il pubblico, tra mille colori, luci ed ombre, "eccola". La mia Anna Magnani è un'opera “pop” realizzata con tecnica mista, matita e pennello virtuale su supporto poliform.

Ogni artista interpreta ciò che sente passando attraverso la tecnica e il più grande regalo per un artista è donare il proprio lavoro.

Un grande onore per me, per il quale ringrazio Francesca Piggianelli organizzatrice ed ideatrice del grande evento “ Premio Anna Magnani ” , che ha celebrato anche i 50 anni dalla scomparsa della grande attrice, ed è arrivato quest'anno alla 9^ Edizione. Roberta Gulotta

"LA NAVE PIU' BELLA DEL MONDO". "AMERIGO VESPUCCI"

Wed, 28 May 2025 10:37:32 GMT

"AMERIGO VESPUCCI" la Nave Scuola della Marina Militare Italiana.

È sempre una grande emozione vedere passare l' "Amerigo Vespucci" la Nave Scuola della Marina Militare considerata la "Nave più bella del Mondo" per la sua eleganza e maestosità. Riconosciuta a livello internazionale, è un fiore all'occhiello per l'Italia ed è ambasciattrice del "Made in Italy" sul mare, un vero orgoglio nazionale. (Roberta Gulotta)

L'Amerigo Vespucci è arrivata sulla costa del litorale romano ad Ostia intorno alle ore 20.00 circa, procedendo da Anzio: il veliero non si è fermato ed ha proceduto a moto lento e a motori spenti con le vele abbassate, per "L'inchino" .

Tantissime le persone ad attenderlo lungo tutta la costa ... Non potevamo mancarlo ... Direzione Civitavecchia dove resterà dal 28 maggio al 3 giugno 2025 imperdibile tappa in cui sarà anche visitabile.

"PREMIO AUSTRIA 2025" Roberta Gulotta tra i premiati. Conferimento del premio all'Artista.

Thu, 08 May 2025 19:42:09 GMT

KLAGENFURT premia l'Arte e con il "PREMIO AUSTRA 2025" presso la STADTHAUS premia l'artista Roberta Gulotta.

E’ terminata con un ottimo riscontro di pubblico la mostra tenutasi allo spazio espositivo del palazzo del Comune di Klagenfurt in Carinzia.

All’evento hanno partecipato alcuni responsabili dell’istituzione austriaca, alcuni direttori e responsabili di gallerie e musei del territorio.

Numerosi visitatori, appassionati, studenti, turisti che hanno espresso profonda ammirazione per la qualità delle opere esposte.
Premiata alla rassegna artistica “PREMIO AUSTRIA 2025” alla sua prima edizione che ha visto come tappa privilegiata la splendida città turistica e culturale di Klagenfurt, l'artista pittrice scultrice ed inviata per eventi di alta rilevanza culturale ed artistica Roberta Gulotta con l'opera dal Titolo “Urbem et Tempus ” tempera acrilica su tela rotonda del diametro cm. 100, una ricerca che tocca un tema che le è sempre stato caro, ovvero quello del “TEMPO”.

"Uno studio elaborato intorno alla quotidianità e alle nostre città (ci confida Roberta Gulotta) con un gioco di simboli e prospettive che richiamano ai grandi maestri delle avanguardie artistiche.
"Giochi geometrici, immagini, raffigurazioni e oggetti che rimandano al nostro consueto, un dipanarsi e destreggiarsi nell'ordinarietà di ognuno attraverso anche le più banali abitudini come ad esempio il caffè. Nell'opera troveremo l'immancabile clessidra, i ricorrenti ingranaggi meccanici simili a quelli degli orologi, ed i palazzi di una fantasiosa città, una barca a vela si scorge all'interno di una delle tazze di caffè quasi a raffigurare un viaggio, quello della fantasia.
“Onorata e lusingata, ringrazio il Comitato Scientifico per il conferimento nonché lo storico, critico d'arte e Direttore del Museo MIIT e di Italia Arte Guido Folco per la prestigiosa onorificienza”.
Il premio prevede la presenza del lavoro dell'artista ospite presso il Museo MIIT nell'ambito delle mostre che il Museo organizza.

"GUERRA E PACE" La nuova Mostra d'arte al Polo Museale Matteo Pellicone

Thu, 08 May 2025 09:53:38 GMT

Una nuova mostra d'arte si è inaugurata al Polo Museale Matteo Pellicone presso la Fijlkam di Ostia Lido, sotto la direzione artistica dell'Arch. Livio Toschi e la neo presidenza del Dott. Giovanni Morsiani nuovo Presidente federale.

Il tema è indubbiamente di grande attualità, un tema che potrebbe generare perplessità e emozioni contrastanti, per questo l'arte non poteva chiamarsi fuori dalla storia e anche questa volta gli artisti sono stati chiamati a dare il loro contributo critico attraverso opere dalle tecniche più versatili.

La Mostra dal titolo “Guerra e Pace” è stata la ventitreesima collettiva d’arte allestita nel Museo e a completare il progetto il polo ospita la mostra personale dal titolo “ Battaglie “ del pittore Massimiliano Bernardi, trentacinquesima esposizione monografica promossa dal Museo.

Il Museo vanta anche 7 le mostre documentarie ospitate sino ad ora nel corso degli anni.

64 gli artisti selezionati che hanno esposto 120 opere realizzate con diversi stili e tecniche espressive, fornendo interpretazioni molto personali del tema proposto, fra questi l'artista e invitata per l'Annuario del Cinema News Roberta Gulotta che ha esposto l'opera dal titolo “ Si vis pacem non praeparet bellum ” (Se vuoi la pace, non prepararti alla guerra) una variante della locuzione latina che originariamente diceva “Si vis pacem, para bellum” (in latino: «se vuoi la pace, prepara la guerra»).

Ha fatto gli onori di casa il neo Presidente della Federazione Giovanni Morsiani emozionato per la nuova avventura che lo vedrà dirigere il versatile Polo Museale diviso tra sport e cultura, che vanta successi e promuove passioni e che ha al suo attivo un medagliere di tutto riguardo.

Il Presidente Giovanni Morsiani si è complimentato con l' Architetto Livio Toschi Storico, Direttore artistico del Museo per il grande lavoro svolto nel corso degli anni e per la grande opera di sensibilizzazione alla cultura che il centro svolge oramai in maniera egregia e perfettamente in sintonia con il pubblico sul territorio.

Lusingato l'Arch. Toschi ha ringraziato tutti gli ospiti intervenuti, gli artisti che hanno partecipato numerosi all'evento, la commissione che ha selezionato le opere valutate da una giuria composta da 3 critici d'arte "esterni": Anna Iozzino, Lucrezia Rubini e Mario Salvo , l'Associazione dei Cento Pittori Via Margutta di cui è Presidente l'artista Antonio Servillo presente anche lui all'evento con le sue opere, l'Associazione Culturale “Art Global” dell'Art Curator Angiolina Marchese presente in sala.

Ospiti al tavolo da conferenziere anche Felice Mariani (classe 1954, primo italiano a vincere la medaglia olimpica nel Judo), Alessandro Saglietti (Presidente del settore Lotta) e Andrea Rizzoli (Attore e Responsabile Area e del Centro di Preparazione Olimpiaca FIJLKAM) il quale ha allietato il pubblico recitando i brani di Bertold Brecht “I bambini giocano alla guerra”, di Gianni Rodari “Filastrocca corta e matta” e di Trilussa “La ninna nanna de la guerra”.

Non poteva mancare ovviamente l'ospite d'eccezione, riconosciuto da tutti ovvero la mascotte del Polo Museale, il gatto “Matteo” .

Nella storia tanto si è dibattuto sul tema di “Guerra e Pace” e tante le raffigurazioni, le citazioni, le opere arrivate ai giorni nostri, basti pensare alla battaglia di Kadesh/Qadesh tra Egiziani e Ittiti (1274 a.c.) la prima battaglia documentata nella storia, “il tempio di Giano” le cui porte a Roma erano aperte in tempo di guerra e chiuse in tempo di pace (le porte venivano chiuse raramente, solo quando la pace era stabilita sia in terra che in mare), ma anche il celebre motto latino “Si vis pacem para bellum” ripreso da Cicerone nel 43 a.c., "Polemos panton pater esti" che significa "la guerra è padre di tutte le cose" frase attribuita al filosofo Eraclito e che suggerisce che il conflitto o la guerra sia l'origine e la forza motrice che genera il cambiamento e l'evoluzione, oppure “Ubi solitudinem faciunt, pacem appellant “ (in italiano: "dove fanno il deserto, lo chiamano pace") la una locuzione latina tratta dall'Agricola di Publio Cornelio Tacito, frasi che potrebbero sembrare discutibili ai giorni nostri o quanto meno audaci.

Molte le opere famose che hanno colpito l'immaginario collettivo come “Guernica” di Picasso del 1937 o “I disastri della guerra” 1810-1820 di Francisco Goya , per citarne solo alcuni.

Anche questa volta l'Arte si pone quale testimonianza dei nostri anni e oggigiorno nel mondo sono attivi circa 56 conflitti di diversa estensione e di diversa intensità che coinvolgono oltre 92 Paesi (più o meno direttamente) con una industria bellica sempre più prolifica.

Guerra e Pace resterà aperta al pubblico fino a sabato 2 agosto 2025.
La mostra gode del patrocinio del CONI, del Municipio Roma X, dell’Accademia Olimpica Nazionale Italiana, dell’Associazione Nazionale Stelle, Palme e Collari d’Oro al Merito Sportivo, del Comitato Nazionale Italiano per il Fair Play, dell’Unione Italiana Collezionisti Olimpici e Sportivi e dell’Unione Nazionale Associazioni Sportive Centenarie.

(Foto e servizio di Roberta Gulotta)

KLAGENFURT alla STADTHAUS "PREMIO AUSTRIA 2025" con il Museo MIIT e tanti artisti

Thu, 24 Apr 2025 10:31:42 GMT

Esposizione d'arte dal 28 aprile al 4 maggio 2025 presso la Sala espositiva della STADTHAUS di KLAGENFURT (COMUNE DI KLAGENFURT), nel centro della Carinzia in Austria.

Dal 28 aprile al 4 maggio 2025 con orario 10.00-12.00 e 15.00-19.00 presso la Sala espositiva della STADTHAUS di KLAGENFURT (COMUNE DI KLAGENFURT), nel centro della Carinzia in Austria, a circa 60 km dal confine italiano, bagnata dal lago di Wörth, esporrà con ITALIA ARTE di Guido Folco l'artista Roberta Gulotta, che sarà presente alla rassegna dedicata al Progetto artistico “PREMIO AUSTRIA 2025” alla sua prima edizione e che vede come tappa privilegiata la splendida città turistica e culturale di Klagenfurt, dal ricco turismo internazionale, con l'opera dal Titolo “Urbem et Tempus” tempera acrilica su tela rotonda del diametro cm. 100. La pittrice, scultrice e fotografa ed inviata per eventi di alta rilevanza culturale ed artistica, si dice lusingata ed onorata di partecipare alla rassegna d'arte con questo suo lavoro. Una ricerca che tocca un tema che le è sempre stato caro, ovvero quello del “TEMPO”. .

Uno studio elaborato intorno alla quotidianità e alle nostre città (ci confida) con un gioco di simboli e prospettive che richiamano ai grandi maestri delle avanguardie artistiche.
Giochi geometrici, immagini, raffigurazioni e oggetti che rimandano al nostro consueto, un dipanarsi e destreggiarsi nell'ordinarietà di ognuno attraverso anche le più banali abitudini come ad esempio il caffè. Nell'opera troveremo l'immancabile clessidra, i ricorrenti ingranaggi meccanici simili a quelli degli orologi, ed i palazzi di una fantasiosa città, una barca a vela si scorge all'interno di una delle tazze di caffè quasi a raffigurare un viaggio, quello della fantasia.
Klagenfurt tra lago e monti è un autentico centro culturale della Carinzia che stupisce per bellezza e varietà di stili, che vanno dal Rinascimento al contemporaneo. Tanti i volti della città che offre numerose attività turistiche e culturali fra cui il Museo di Arte Moderna, Il Teatro civico (o Stadttheater), Il Minimundus, la splendida collina Kreuzbergl, un Centro di Botanica, il Rettilario Happ, il Castello Maria Loretto, la Lindwurm (Ovvero la fontana del drago), il Wörthersee-Mandl (una scultura in bronzo dell’artista Heinz Goll), Il Landhaus (oggi sede del governo della Carinzia), la Chiesa di Sant’Egidio la Fuchskappelle anche denominata “La Cappella dell’Apocalisse” , Il Lendkanal e il mercato di Benediktinermarkt.
La mostra, curata dal Museo MIIT e Italia Arte di Guido Folco (storico e critico d'arte) presenterà una rosa di autori provenienti da tutto il mondo e selezionati da curatori, galleristi, critici, storici dell’arte, giornalisti del Comitato Scientifico del Museo MIIT di Torino ed è stata pensata a tema libero, con qualunque tecnica espressiva in cui gli artisti partecipanti selezionati hanno avuto la possibilità di esprimere e valorizzare il loro pensiero creativo con estro, fantasia, colori, simbolismi ed emozioni.
La rassegna gode del Patrocinio gratuito di numerosi partners istituzionali come quello dell’Università degli Studi ‘Mediterranea’ di Reggio Calabria, oltre a quelli di numerosi Musei e Fondazioni con cui il Museo MIIT e Italia Arte intrattengono ormai da anni importanti collaborazioni internazionali e scambi culturali e artistici ai massimi livelli.
La sede espositiva sarà lo splendido palazzo STADTHAUS – KLAGENFURT (COMUNE DI KLAGENFURT) dal 28 APRILE al 4 MAGGIO 2025 con orario 10.00-12.00 15.00-19.00; o su appuntamento.

"MUNCH. Il grido interiore”, la grande mostra a Roma.

Wed, 12 Feb 2025 21:00:15 GMT

A Palazzo Bonaparte una nuova mostra "MUNCH. Il grido interiore”.
Dall’11 febbraio 2025 al 2 giugno 2025 la mostra più attesa dell’anno, quella dedicata ad Edvard Munch.

Sono passati decenni dall’ultima mostra dedicata a Munch a Roma; sebbene sia uno degli artisti più amati nel mondo – l’unico ad avere “generato” una sorta di emoticon con la sua opera più nota "L’Urlo", è anche uno degli artisti più difficili da vedere rappresentato nelle mostre perché la quasi totalità delle sue opere sono custodite al Munch Museum di Oslo che, eccezionalmente, ha acconsentito ad un prestito senza precedenti.

La mostra gode del patrocinio del Ministero della Cultura , della Regione Lazio , del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura , della Reale Ambasciata di Norvegia a Roma e del Giubileo 2025 – Dicastero per l'Evangelizzazione .

La mostra vede come sponsor Generali Valore Cultura e Statkraft , special partner Ricola , mobility partner Atac e Frecciarossa Treno Ufficiale , media partner la Repubblica , hospitality partner Hotel de Russie e Hotel de la Ville , sponsor tecnico Ferrari Trento e radio partner Dimensione Suono Soft .

Ad arricchire l'esposizione, è previsto un ricco palinsesto di eventi che coinvolgerà diverse realtà culturali della città e che andrà ad approfondire la figura dell’artista e ad espandere i temi delle sue opere.

EDVARD MUNCH (Norvegia, 1863 – 1944).

Tra i principali artisti simbolisti del XIX secolo e anticipatore dell'Espressionismo, artista dalla vita segnata da grandi e precoci dolori, Munch fin da subito è stato in grado di instaurare col suo spettatore un’immediata empatia, facendo percepire, oltre che vedere, la sofferenza e l'angoscia raffigurate.

La perdita prematura della madre a soli 5 anni e della sorella, la morte del padre e la tormentata relazione con la fidanzata Tulla Larsen sono stati il materiale emotivo primigenio sul quale l’artista ha cominciato a tessere la sua poetica, la quale si è poi combinata in maniera originalissima, grazie al suo straordinario talento artistico, con la sua passione per le energie sprigionate dalla natura.

I suoi volti senza sguardo, i paesaggi stralunati, l’uso potente del colore, la necessità di comunicare dolori indicibili e umanissime angosce sono riusciti a trasformare le sue opere in messaggi universali e Munch uno degli artisti più iconici dell’Ottocento.

Sgomento, visioni, violenza emotiva si tradussero in immagini potenti, dall’emotività a volte diretta, altre soffocata, reiterate con l’intento ossessivo di riprodurre il più fedelmente possibile l’impressione delle scene incise nella memoria.

Munch è uno degli artisti che ha saputo meglio interpretare sentimenti, passioni e inquietudini della sua anima, comunicandoli in maniera potente e diretta.

Plasmato inizialmente dal naturalista norvegese Christian Krohg, che ne incoraggiò la carriera pittorica, negli anni Ottanta del Novecento si recò a Parigi dove assorbì le influenze impressioniste e postimpressioniste che gli suggerirono un uso del colore più intimo, drammatico ma soprattutto un approccio psicologico.

A Berlino contribuì alla formazione della Secessione Berlinese e nel 1892 si tenne la sua prima personale in Germania, che fu reputata scandalosa: da quel momento in poi Munch viene percepito come l’artista eversivo e maledetto, alienato dalla società, un'identità in parte promossa dai suoi amici letterati. A metà degli anni Novanta del XIX secolo si dedicò alla produzione di stampe e, grazie alla sua sperimentazione, divenne uno degli artisti più influenti in questo campo.

La sua produttività e il ritmo serrato delle esposizioni lo porteranno a ricoverarsi volontariamente nei sanatori a partire dalla fine degli anni Novanta del XIX secolo.

Relazioni amorose dolorose, un traumatico incidente e l'alcolismo - vivendo la vita “sull'orlo di un precipizio” - lo portarono a un crollo psicologico per il quale cercò di recuperare in una clinica privata tra il 1908 e il 1909.

Dopo aver vissuto gran parte della sua vita all'estero, l'artista quarantacinquenne tornò in Norvegia, stabilendosi al mare, dipingendo paesaggi e dove iniziò a lavorare ai giganteschi dipinti murali che oggi decorano la Sala dei Festival dell'Università di Oslo. Queste tele, le più grandi dell'Espressionismo in Europa, riflettono il suo sempre vivo interesse per le forze invisibili e la natura dell'universo.

Nel 1914 acquistò una proprietà a Ekely, Oslo, dove, da celebre artista internazionale, continuò il suo lavoro sperimentale fino alla morte, avvenuta nel 1944, appena un mese dopo il suo ottantesimo compleanno.

LA MOSTRA

Nel corso della sua lunga vita Edvard Munch realizzò migliaia di stampe e dipinti. Essendo tanto un uomo d’immagini quanto di parole, riempì fogli su fogli di annotazioni, aneddoti, lettere e persino una sceneggiatura per il teatro. L’esigenza di comunicare le proprie percezioni, il proprio ‘grido interiore, lo accompagnò per tutta la vita, e proprio questa attitudine è stato il motore della sua pratica come artista, che ha toccato tanto temi universali - come la nascita, la morte, l’amore e il mistero della vita – quanto i disagi psichici necessariamente connessi all’esistenza umana - le instabilità dell’amore erotico, il disagio prodotto dalle malattie fisiche e mentali e il vuoto lasciato dalla morte.

Questa mostra ruota attorno al ‘grido interiore’ di Munch, al suo saper costruire, attraverso blocchi di colore uniformi e prospettive discordanti, lo scenario per condividere le sue esperienze emotive e sensoriali: un processo creativo che sintetizza ciò che l’artista ha osservato, quello che ricorda e quanto ha caricato di emozioni.

Altre opere, invece, cercano di immortalare le forze invisibili che animano e tengono insieme l’universo. L’inizio della sua carriera coincide infatti con cambiamenti radicali nello studio della percezione: alla fine dell’Ottocento è in corso un dibattito tra scienziati, psicologi, filosofi e artisti sulla relazione tra quello che l’occhio vede direttamente e come i contenuti della mente influiscono sulla nostra vista. Il suo interesse per le forze invisibili che danno forma all’esperienza, condizionerà le opere che lo rendono uno degli artisti più significativi della sua epoca. Precursore dell’Espressionismo e persino del Futurismo del XX secolo nella sua esplorazione delle forze impercettibili, oggi continua a “parlare” alle visioni interiori e alle preoccupazioni anche di noi, uomini e donne dell’età moderna. Nelle sue creazioni Munch punta a rendere visibile l’invisibile.

"IL TEMPO DEL FUTURISMO" IN MOSTRA A ROMA

Sun, 19 Jan 2025 22:03:35 GMT

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea GNAMC, ha inaugurato il 3 dicembre 2024 la mostra “Il Tempo del Futurismo”, promossa e sostenuta dal Ministero della Cultura, in occasione dell'ottantesimo anniversario dalla scomparsa di Filippo Tommaso Marinetti.

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea GNAMC diretta da Renata Cristina Mazzantini, ha inaugurato il 3 dicembre 2024 la mostra “Il Tempo del Futurismo” a cura di Gabriele Simongini, promossa e sostenuta dal Ministero della Cultura, in occasione dell'ottantesimo anniversario dalla scomparsa di Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta il 2 dicembre 1944.

Una mostra contrastata, che ha visto pareri discordanti per un movimento quello “Futurista” che a distanza di anni continua a far parlare di sé.

Fu un pensiero rivoluzionario, che credeva nella necessità di una immediata trasformazione culturale e sociale con innovative scoperte scientifiche e tecnologiche. Un periodo segnato da grandi innovazioni come la nascita della radio, degli aeroplani, della telegrafia senza fili, delle prime cineprese, ma anche di grandi trasformazioni sociali e politiche.

Questa mostra si concentra sul rapporto tra arte, scienza e tecnologia ed illustra gli improvvisi cambiamenti e il “completo rinnovamento della sensibilità umana avvenuto per effetto di una nuova modernità", concetto che fu alla base della nascita del Futurismo.

Il movimento ribelle d’avanguardia fondato nel 1909 dal poeta, scrittore, drammaturgo Filippo Tommaso Marinetti, nacque precedentemente l'inizio della prima guerra mondiale e susseguenti avvenimenti storici che sconvolsero la vita italiana ed internazionale.

Vi era l'esigenza di chiudere i ponti con il passato per affacciarsi ad un nuovo “Futuro” fatto di modernità e di velocità. Una riflessione, sebbene in circostanze storiche del tutto diverse, che potremmo definire attuale, considerando la frenetica e repentina evoluzione tecnologica scientifica a cui la civiltà moderna va incontro. Conseguenze che modificano abitudini e consuetudini sociali e di costume, entrando capillarmente nel nostro quotidiano, basti pensare all' imminente arrivo di una possibile intelligenza artificiale.

Dinamismo, movimento e velocità sono le parole chiave. Contro le tendenze della pittura tradizionale, i futuristi vollero opporsi all'antica pittura statica, per una nuova più dinamica, con una particolare attenzione all'industrializzazione e alla città passando quindi anche attraverso l'architettura.

Un movimento contro “il passatismo”, creato da intellettuali innamorati del progresso, una nuova espressione di vita che vede le opere dai colori più audaci, prospettive d'impatto e dalle linee forti e dinamiche. Profezie di un futuro più veloce, ma anche più comunicativo per cui l'arte può essere veicolo di divulgazione e promozione. La nuova figura del pubblicitario si affacciò nel panorama artistico e acquistò sempre più professionalità, fra questi Fortunato Depero “L'arte dell'avvenire sarà profondamente pubblicitaria” (Manifesto dell'arte pubblicitaria futurista -1931). Fu pittore, scultore, designer, illustratore, scenografo e costumista italiano futurista, che maggiormente lasciò il segno grazie ai manifesti realizzati per la Campari. Molti grandi industriali dell'epoca così iniziarono a comprendere la capacità persuasiva e l'importanza di un cartellone divulgativo, di manifesti grafici e volantini.

Una mostra che presenta tutte le vicissitudini di un passato diviso tra idee, arte, creatività passando per i turbolenti movimenti politici di un particolare e drammatico periodo storico.

La storia è l'unica testimonianza di un passato indelebile, che lascia il segno. Ogni giudizio è opinabile ma il visitatore vedrà esposte nella galleria attraverso un percorso di quattromila metri quadri e ventisei sale, opere di Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Gino Severini e Fortunato Depero, Enrico Prampolini, Tullio Crali (per citarne solo alcuni), circa 350 fra quadri, sculture, progetti, disegni, oggetti d’arredo, film, oltre a un centinaio fra libri e manifesti, con un’attenzione alla matrice letteraria del movimento marinettiano che non ha precedenti. Nelle grandi sale sono presenti anche un idrovolante, automobili, motociclette e strumenti scientifici d’epoca.

L’esposizione è arricchita da due installazioni site-specific di Magister Art e di Lorenzo Marini, vivacizzata da eventi di approfondimento come: L’arte in tavola – Talk sulla cucina futurista (11 gennaio 2025), Il futurismo è di moda – Talk sulla moda futurista (18 gennaio 2025), Tutta un’altra musica – Talk sulla musica futurista (1 febbraio 2025), Un’idea che lascia il segno – Talk sull’architettura futurista (8 febbraio 2025), Va in scena la sorpresa – Talk sul teatro futurista (15 febbraio 2025), La Grande Guerra della Cultura – Evento conclusivo (22 febbraio 2025).

La rassegna “ Vita Futurista ” è organizzata dalla Fondazione Magna Carta curata da Federico Palmaroli e intende evidenziare la trasversalità del Futurismo, attraverso eventi e talk multidisciplinari, esplorando ambiti che spaziano dalle arti visive alla musica, dalla letteratura al teatro, alla moda, la gastronomia e l’architettura, fino alla sfera politica e ideologica. Il programma culminerà nel convegno La Grande Guerra della Cultura , che approfondirà l’impatto della Prima Guerra Mondiale sulla cultura novecentesca.
U no degli eventi che si è svolto il 18 gennaio scorso dal titolo "Il futurismo è di moda – Talk sulla moda futurista" si è svolto della Veranda Parolibera. tema, la sfida futurista agli schemi tradizionali e la sua influenza sulla creatività degli stilisti contemporanei, con l'esposizione di riproduzioni di abiti futuristi a cura dell’Accademia Koefia e le letture tratte dai Manifesti futuristi a cura di Luca Violini – Attore e doppiatore.

Sono intervenuti: Guido Andrea Pautasso - Storico e critico delle avanguardie artistiche del Novecento; Antonella Basilico - Già docente di Storia dell’Arte Contemporanea presso Università degli Studi di Napoli “Federico II”; Simona Branchetti - Giornalista e conduttrice TG5, che ha moderato l'evento; Elena Gigli - Esperta d'arte e dell'opera di Giacomo Balla; Antonio Fiore Ufagrà - Pittore post-futurista.

La mostra ha già avuto una enorme affluenza di pubblico tale che si potrebbe ipotizzare una proroga rispetto alla data di chiusura prefissata per il 28 febbraio 2025

Hanno generosamente contribuito alla mostra con i loro prestiti i musei italiani e stranieri, tra cui il MoMA, il Metropolitan Museum di New York, il Philadelphia Museum of Art, la Estorick Collection di Londra e il Kunstmuseum Den Haag de L’Aia. Il catalogo è pubblicato da Treccani e conterrà, oltre ai saluti istituzionali, i testi di Gabriele Simongini, Francesca Barbi Marinetti, Günter Berghaus, Elena Gigli, Claudio Giorgione, Giovanni Lista, Ada Masoero, Ida Mitrano, Riccardo Notte, Francesco Perfetti e Marcello Veneziani . Collaborazioni rilevanti contribuiscono all’offerta culturale messa in campo, come quella con il MAXXI, che con l’apertura al pubblico di Casa Balla aggiunge una tappa fondamentale al discorso narrativo; con la Fondazione Magna Carta, promotrice del programma di attività culturali; con il Museo Nazionale Scienza e Tecnologia Leonardo da Vinci, per il prestito di numerosi oggetti che hanno arricchito la mostra anche con un taglio scientifico. La mostra gode del prezioso sostegno dei Main sponsor Autostrade per l’Italia e Enel, degli Sponsor Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane e Unipol Gruppo, del Partner tecnico ACI Storico.

"PREMIO OSCAR WILDE" CERIMONIA DI PREMIAZIONE NEL CUORE DELLA DOLCE VITA .

Sun, 29 Dec 2024 10:05:38 GMT

Grande successo per la cerimonia di premiazione del "Premio Internazionale Wilde 2024" che si è svolta presso il Grand Hotel Flora Rome Marriott (Salone Dolce Vita) di Via Veneto in Roma, nel cuore pulsante della città.

Tanti i premiati ed ospiti illustri ad accorrere in un contesto elegante e sobrio come quello di uno degli Hotel di maggior pregio della capitale.

L'evento ha coronato un anno ricco di successi e con un Grande finale per il Menotti Art Festival che ha ricevuto anche il consenso del Ministero della Cultura.

Il vulcanico Prof. Luca Filipponi ha concluso nuove partnership tra il Premio Oscar Wilde (di cui è stato eletto presidente) ed il Premio Bancarella con il quale il Premio Spoleto Art Festival ha iniziato una proficua collaborazione, in particolare con il Premio Bancarella di Pontremoli, siglando l’accordo tra il Prof. Luca Filipponi (Presidente del Menotti Art Festival), Luciano Preti, Sabrina Morelli (Presidente del Premio Oscar Wilde), Jacopo Ferri (Sindaco di Pontremoli).

Una vita all'insegna della cultura, quella del Prof. Filipponi, che annovera importanti eventi di formazione, conoscenza, volti al patrimonio intellettuale e di coltivazione della sapienza, senza però dimenticare il glamour.

Dopo la presenza a Stoccolma al Nobel Week ed all’Accademia dei Nobel a Sanremo a Villa Nobel, il Professore ha presenziato a Roma il 27 dicembre 2024 presso il Gran Hotel Flora Rome Marriott (Salone Dolce Vita), la cerimonia di premiazione del Premio Internazionale Oscar Wilde insieme a Paola Biadetti (artista, Direttrice artistica, anche lei tra i premiati illustri) una unione che li vede in un sodalizio consolidato in tanti anni di collaborazione. Tra le protagoniste dell'evento anche Sabrina Morelli, scrittrice, poetessa e vice presidente dell’Oscar Wilde, e Maria Concetta Borgese scrittrice e letterata siciliana in qualità di Presidente della Commissione Scientifica del Premio.

La Musicista Elena Sabatino (direttore artistico musicale del Menotti art Festival Spoleto) è stata tra gli ospiti del premio, come anche Daniele Cappa (Patron del Marchio Wilde Premio letterario Europeo, nonchè autore di successo e caporedattore del quotidiano la Notte), Barbara Lenti ha curato la presentazione della serata evento reduce dal grande successo del premio Spoleto Art Festival Letteratura.

Tra i premiati anche Roberta Gulotta (Artista, pittrice, scultrice ed inviata di spicco su importanti news magazine di cinema, arte e spettacolo) con la motivazione: "Per importanti meriti per la promozione della cultura sia come artista che come cronista", George Labrinopoulos (giornalista greco autore del libro “L’Italia dei giganti“, che riflette sugli incontri con alcuni protagonisti della storia italiana ).

L’evento prevedeva anche la premiazione di diversi persona famosi del mondo dello Spettacolo, della Musica e della Moda. che in questi anni sono stati protagonisti della Cover Art&Art. L'attore Maurizio Mattioli ha ricevuto il Premio Art&Art alla Carriera, la giornalista del Tg3 Mariella Anziano il Premio Giornalismo, il Premio Musica a Valerio Altobelli, il Premio tv all'attore Riccardo Polizzy Carbonelli, all’attrice Elisabetta Pellini il Premio Cinema, alla la stilista Grazia Urbano il Premio Moda, Simone Maria Cimini (Enomis) il Premio Talento Emergente, e Agostinelli Store il Premio Cultura

Confermate le partnership con L’ Accademia Auge del Rettore Prof. Giuseppe Catapano, del Presidente Prof. Cesare Cilvini e con la Fondazione Tau del Dott. Umberto Giammaria tra i protagonisti della sezione accademica del Premio Wilde che svolgerà il giorno 6 febbraio, insieme al Premio Internazionale Comunicare l’Europa, presso la Sala del Parlamento Europeo in piazza Venezia 6, sempre a Roma.

Ecco l’elenco dei Premiati del Premio Internazionale Oscar Wilde (concorso per autore 2024): Nela Munic Ionescu, Claudio Raspollini, Luigi Pullia, Patrizia Riello Pera, Lavinia Simona Eleches Feldelmann, Giorgia Vitale, Alessandro Nardelli, Massimo Del Zio, Maria Tedeschi, Anna Ferretti, Cettina Marcellino, Edna Dayse Rodrigues de Oliveira, Luigi del Vecchio, Emanuela Lanni, Susanna Musetti, Maria Divina Alves Fonseca, Antonio Giulio Alagna, Anna de Fulviis, Emanuela Mari, Anna Maria Fabbri, Isabel Russinova, Giuseppe Petrarca, Paola Biadetti, Fabia Baldi, Giuseppe de Chiara, George Labrinopoulos, Roberta Gulotta, Sandrino Aquilani (Sindaco di Vetralla), Roberto Croce, Aurelio Bettini, Raffaele Lallo, Giovanna Fusco, Paolo Coen, Antonio Ventrone, Anna Maria Stefanini, Francesco Terrone (membro ed oratore del Nobel Week 2024). Il prof Luca Filipponi sarà anche il titolare degli eventi di celebrazione dei 100 anni dalla morte di Franz Kafka che si chiuderanno con un convegno internazionale ed un premio importante.

Mostra MILANO V.I.P.

Sat, 05 Oct 2024 14:37:48 GMT

Dal 16 al 31 ottobre 2024 Presso la Galleria MA-EC nel cuore di MILANO con ITALIA ARTE di Guido Folco esporrà l'artista Roberta Gulotta.

L'artista Roberta Gulotta sarà presente alla mostra “MILANO V.I.P.” con l'opera dal Titolo “ Urbem et Tempus ” tempera acrilica su tela rotonda del diametro cm. 100.

La pittrice, scultrice e fotografa si dice lusingata ed onorata di partecipare alla rassegna d'arte con questo suo ultimo lavoro. Una ricerca che tocca un tema sempre caro all'artista ovvero quello del “TEMPO”.

Uno studio elaborato intorno alla quotidianità e alle nostre città (ci confida) con un movimento di simboli e prospettive che richiamano ai grandi maestri delle avanguardie artistiche.

Giochi geometrici, immagini, raffigurazioni e oggetti che richiamano al nostro quotidiano, un dipanarsi e destreggiarsi nell'ordinarietà di ognuno attraverso anche le più banali abitudini come ad esempio il caffè. Nell'opera troveremo l'immancabile clessidra, i ricorrenti ingranaggi meccanici simili a quelli degli orologi, ed i palazzi di una fantasiosa città, ma il fulcro è un incredibile labirinto in cui le biglie si aggirano quasi a voler cercar l'uscita, infine una barca a vela si scorge all'interno di una delle tazze di caffè quasi a raffigurare un viaggio, quello della fantasia.

La mostra, curata dal Museo MIIT e Italia Arte di Guido Folco (storico e critico d'arte) e la curatrice internazionale Fei Xinyao per la sezione artisti cinesi, è stata pensata a tema libero e con qualunque tecnica espressiva in cui gli artisti partecipanti selezionati dal competente Comitato Scientifico Internazionale, hanno avuto possibilità di esprimere valorizzare il loro pensiero creativo usando estro, fantasia, colori, simbolismi ed emozioni.

La prestigiosa galleria è situata presso Palazzo Durini (Via Santa Maria Valle, 2 Milano) , a pochi passi dal Duomo di Milano e promuove l’arte, la cultura in un ambiente che coniuga arti visive, design e cultura, creando collegamenti tra artisti, collezionisti e media a livello internazionale.

Ospita eventi artistici nel campo della pittura, scultura, fotografia, video, installazioni favorendo relazioni internazionali tra la Cina e l’Europa divenendo fulcro di incontri internazionali.

MILANO V.I.P. ART:

L' inaugurazione avrà luogo mercoledì 16 ottobre dalle 18,00 presso la galleria MA-EC, situata presso Palazzo Durini (Via Santa Maria Valle, 2 Milano)

Orario visite: da martedì a venerdì dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 19.00; sabato dalle 15.00 alle 19.00.

I "COLORI DEL CIELO" alla FIJLKAM

Thu, 30 May 2024 14:41:22 GMT

Dal 29 maggio 2024 Presso la FIJLKAM una nuova mostra. Tanti gli artisti che hanno partecipato tra cui Roberta Gulotta.

Tra gli eventi culturali di grande rilevanza, mercoledì 29 maggio, alle ore 16:30 verrà inaugurata presso il Polo Museale Matteo Pellicone FIJLKAM di Via Sandolini ad Ostia Lido, la XXI^ Mostra d'Arte al Museo, intitolata “ I colori del cielo ”, alla presenza del Presidente della federazione Domenico Falcone e dell''Architetto Livio Toschi Direttore Artistico del Polo Museale.

Tanti gli artisti che hanno aderito all'iniziativa partecipando con le loro pregevoli opere. Quest'anno, durante la presentazione nell' aula magna, verrà consegnato il Premio Fijlkam Arte 2024 .

La Mostra, ideata e curata dall'architetto Livio Toschi Direttore Artistico del Polo Culturale FIJLKAM, avrà per tema “I colori del cielo”, e sono numerose le interpretazioni giunte con le più differenti tecniche da parte degli artisti che, accuratamente selezionati, hanno dimostrato un’elevata qualità di tecnica e di esposizione.

Nel corso degli anni il Polo Museale è diventato un vero fiore all'occhiello della Federazione, tale che la Fijlkam tra Sport e Arte ha potuto annoverare grandi successi e soddisfazioni.

Circa 42 gli artisti selezionati tra cui l'artista Roberta Gulotta che in questa occasione partecipa con l'opera dal titolo “ I colori del cielo ” (Opera: tempera acrilica su tela rotonda del diametro cm. 80).

L'artista si dice onorata e lusingata per essere stata scelta con la sua opera a partecipare a quest’evento. Nel corso degli anni il Polo museale si è rivelato sempre un ottimo spazio per eventi culturali e sportivi ad alta rilevanza. Le mostre allestite e curate dall'Architetto Livio Toschi, sono state sempre oggetto di piacevoli incontri intellettuali, culturali e di convivialità.

A conferma di ciò, giovedì 20 giugno, alle ore 16:00, al Centro Olimpico, verrà inoltre celebrato il Centenario della prima Federazione di Judo e del primo campionato italiano.

L'evento vedrà convegni, mostre, l'intitolazione della palestra di Judo e verranno distribuite due nuove pubblicazioni del Museo FIJLKAM sul Judo.

Nella Hall of Fame vi sarà una mostra documentaria-iconografica , si terrà un convegno sul Judo nell'Aula Magna, e verrà apposta una targa nella palestra di Judo, che verrà intitolata ad Augusto Ceracchini, grande atleta e dirigente.

Saranno pubblicate e distribuite due opere sul Judo: "Breve storia del Judo" e la raccolta dei vari numeri della rivista "JudoArte", curata dal Museo (anni 2020-2024).

Sarà infine possibile visitare la XXI^ Mostra d’arte “I colori del cielo”, e nella Biblio Fijlkam visionare i libri sul Judo di cui il polo museale dispone.

ESCHER IN MOSTRA A ROMA FINO AD APRILE.

Sat, 09 Dec 2023 14:56:43 GMT

Una mostra imperdibile quella a Palazzo Bonaparte in Roma dedicata a Maurits Cornelis ESCHER .

Una mostra imperdibile quella a Palazzo Bonaparte in Roma dedicata a Maurits Cornelis ESCHER (incisore, grafico e artista) nato a Leeuwarden, 17 giugno 1898 e scomparso a Laren il 27 marzo 1972, un omaggio epocale con cui Arthemisia ha voluto rendergli omaggio con una mostra che vede esposti tutti i più grandi capolavori del genio olandese a 100 anni dalla sua prima visita nella Capitale avvenuta nel 1923.

Denominato l'artista dei mondi impossibili, mi ha sempre affascinato. Indubbiamente geniale, inquieto dal pensiero alquanto creativo si è cimentato in una produzione artistica innovativa, di notevole pregio ed interesse, unica nel suo genere, una laboriosa realizzazione con più tecniche fra incisioni e litografie, che vede una grande vastità di temi trattati.

Affascinata dalle sfere, avendole più volte inserite anche io nelle mie opere, ho studiato spesso questo artista sin dai tempi del liceo e dell'accademia, dove giochi di trasparenze e prospettive, compongono universi incredibili e meravigliosi in cui immergersi, fino ad arrivare all'approdo in un mondo dell'impossibile.

Una creatività quella di ESCHER fatta di ricerca, di studio, di viaggi, fondamentali i soggiorni in Italia, visse a Roma per ben dodici anni dal 1923 al 1935, stabilendosi a via Poerio N° 122 ed in Spagna con il significativo viaggio a Granada dove scoprì l'Alhambra, fonte di ispirazione per una ricerca geometrica che lo vedrà creare forme nuove passando per la natura, la scienza, la matematica, la fisica e il design.

Una mostra immersiva quindi ben organizzata, con grande riscontro di pubblico e con opere pregevoli come la “Mano con sfera riflettente (Autoritratto allo specchio)" sicuramente l’opera più nota dell'artista risalente al 1927 ma anche “L'occhio”, “La goccia di rugiada”, “Lo specchio magico” , “Le tre sfere”, “Autoritratto in uno specchio sferico”, “Le scale di ESCHER” e molte, moltissime altre. Di notevole interesse la riproduzione del suo studio nella casa di via Poerio 122 in Roma dove visse fino al 1935, esposto anche il pavimento dell'immobile (disegnato da lui stesso). 300 opere emblematiche per un artista alla costante ricerca di forme e dimensioni diverse, un viaggio immersivo, onirico e visionario.

La mostra, col patrocinio del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura e dell’Ambasciata e Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi, è prodotta e organizzata da Arthemisia in collaborazione con la M. C. Escher Foundation e Maurits ed è curata da Federico Giudiceandrea – uno dei più importanti esperti di Escher al mondo – e Mark Veldhuysen, CEO della M.C. Escher Company . La mostra vede come sponsor Generali Valore Cultura, special partner Ricola, mobility partner Atac e Frecciarossa Treno Ufficiale, media partner la Repubblica e Urban Vision, hospitality partner Hotel de Russie e Hotel de la Ville e partner Mercato Centrale Roma. Dal 31 ottobre 2023 fino al 1 Aprile 2024 Palazzo Bonaparte - Piazza venezia N° 5, Roma.

DAVID LACHAPELLE A ROMA grande successo e bagno di folla per la sua mostra.

Mon, 30 Oct 2023 08:35:46 GMT

DAVID LACHAPELLE a Roma con "STATIONS OF THE CROSS .

Il 27 ottobre 2023 mi sono imbattuta nell'inaugurazione delle inaugurazioni! Ha aperto infatti al pubblico in esclusiva presso la Galleria Deodato Arte di via Giulia 122 a Roma, la nuova mostra di David LaChapelle con l’inedita serie "Stations of the Cross”; l'artista statunitense ha coronato la sua presenza in Italia inoltre ricevendo il premo alla carriera della “XIV Florence Biennale" con la seguente motivazione: «Come tributo a uno dei fotografi più talentuosi e influenti del nostro tempo, e in riconoscimento del suo stile unico e della sua eccezionale produzione artistica, basata su immaginazione, sperimentazione e creatività, che trasmette profondi messaggi sociali. Grazie alla sua prospettiva visionaria, originale e coraggiosa, ha ispirato molti altri artisti e il pubblico mondiale».

Una rassegna, quella alla Deodato Gallery, che raccoglie alcune delle sue più belle fotografie nel cuore di Roma ed è stata inaugurata dallo stesso LaChapelle che si è donato al fitto pubblico che lo era venuto a trovare mandando completamente in tilt una delle vie più celebri della Città Eterna, ovvero Via Giulia. La fila non ha scoraggiato i presenti che hanno potuto ammirare le sue ultime sorprendenti opere, quindici scene della Via Crucis disposte lungo un percorso che simboleggia il cammino di Cristo verso la crocifissione e che l’artista ha interpretato con il suo tipico stile incisivo, teatrale, con riferimenti all’epoca medievale e a quella postmoderna, immaginando la tradizionale narrazione religiosa in un modo nuovo, colorato e poetico.

Erano inoltre esposte opere di "Earth Laughs in Flowers", la serie realizzata tra il 2008 e il 2011 ispirata alle tradizionali vanitas olandesi.

Personalmente, nella “Via Crucis” ho trovato degli eccezionali rimandi al grande Maestro Giotto e benché le opere siano fotografiche, si noto lo studio tra una nuova ed anche antica visione sia per l'uso delle luci e dei colori, che delle composizioni e dei volti. Opere uniche in cui David LaChapelle ha presentato nelle vesti del Cristo l’artista, rapper e attore italiano Tedua all’anagrafe Mario Molinari (che esplora l'immaginario già con il suo terzo album musicale dal titolo La Divina Commedia indicato anche come La Divina Commedia: Inferno – Purgatorio) scelto per alcune sue specifiche caratteristiche come il volto incisivo e la corporatura asciutta.

Nelle numerose opere di David LaChapelle, in cui vengono trattati più temi, vi è un misto di umorismo e dramma, oggetti di uso quotidiano, a sottolineare usi, costumi e debolezze della nostra società, in cui spesso la vanità prende il sopravvento al limite dell'ilarità.

Questo artista ha da sempre attirato la mia curiosità e colpito il mio immaginario e poterlo incontrare, parlarci è stato davvero un onore. "You are the best" gli ho confidato e lui mi ha risposto con un meraviglioso sorriso "Really?". Umile ed empatico, ho cercato di comprendere cosa sia stato il suo percorso e la sua Arte, ed una domanda mi sorge spontanea: “Ma come potrebbe essere oggi il ritorno del Cristo ?”.

NOTA: David LaChapelle ha fotografato alcune delle personalità più famose e rilevanti del cinema, della musica, dell'arte, della politica e dello sport, tra cui:

Alicia Keys, Andy Warhol, Angeline Jolie, Anna Kournikova, Britney Spears, Cher, Christina Aguilera, Courtney Love, David Beckham, David Bowie, Dennis Hopper, Dolly Parton, Drew Barrymore, Dua Lipa, Elizabeth Taylor, Elton John, Eminem, Faye Dunaway, Hillary Clinton, Jackie Chan, Julian Assange, Lady Gaga, Lana Del Rey, Leonardo DiCaprio, Liza Minnelli, Madonna, Marc Anthony, Mariah Carey, Marilyn Manson, Michael Jackson, Miley Cyrus, Muhammed Ali, Naomi Campbell, Pamela Anderson, Paris Hilton, Ricky Martin, Sade, Serena Williams, Snoop Dogg, Sofia Coppola, The Weeknd, Travis Scott, Tupac Shakur, Uma Thurman, Whitney Houston.

(Testo e foto di Roberta Gulotta)

Una prestigiosa mostra nel cuore di Parigi

Wed, 26 Jul 2023 15:48:49 GMT

Ancora un evento internazionale, questa volta in uno dei cuori pulsanti di Parigi nel quartiere de "Le Marais".

Situato nella Riva Destra della Senna, valutato il più trendy, ricco di gallerie, antiquari, boutique di design, locali alla moda, la nuova frontiera dell’arte della città, presso la nuova sede temporanea del Museo MIIT al n. 28 di Rue Saint Gilles, al MMM Miit Museum Marais.

Un nuova rassegna d'arte è stata inaugurata il giorno 25 luglio 2023 e si protrarrà sino al 30 luglio, 2023 curata dal Presidente Editore-Direttore-Fondatore del mensile internazionale “Italia Arte”, Direttore, Fondatore e Curatore del Museo MIIT Guido Folco (nella foto più in basso) il quale anche questa volta si è reso artefice di una iniziativa culturale ed artistica che vede l'arte moderna e contemporanea in tutte le sue forme, attraverso stili e tecniche più diverse, con opere astratte, informali, figurative, fotografie, sculture, videoarte ed altro ancora, un dialogo universale per parlare un linguaggio internazionale fra artisti.

Una esposizione che vede partecipare anche l'artista pittrice, scultrice Roberta Gulotta (nella foto sotto) in videoesposizione con alcune sue opere tra cui una particolarmente dedicata alla città di Parigi dal Titolo “ Paris mon amour ” in cui l'artista ha raffigurato alcuni luoghi simbolo a lei cari della città fra cui:

Un dettaglio del Palazzo del Louvre, un dettaglio dell'orologio del Museo d'Orsay (uno dei suoi musei preferiti), la Tour Eiffel (simbolo per eccellenza della città), l'Arco di Trionfo altro importante monumento di Parigi, un lampione in stile Art Nouveau (uno degli stili tipici) con il segno della stazione della metropolitana, una rosa di colore rosa quale omaggio alla meravigliosa canzone dal titolo “La vie en rose”.

L'artista confida che avrebbe voluto inserire molte altre immagini nonché icone-simbolo della grandiosa storia della città, passando attraverso i monumenti, i musei, i palazzi, la moda, il glamour, ma anche attraverso l'ordinaria quotidianità. “Vi sono luoghi in cui si percepisce un vero e proprio viaggio nel tempo ed uno dei film che meglio lo potrebbe descrivere per me è il film di Woody Allen Midnight in Paris”.

Un grande successo di pubblico e di critica ha coronato l'evento e tra i prestigiosi Patrocini gratuiti, quelli di Musei, Fondazioni, Gallerie con cui il Museo MIIT e Italia Arte intrattengono ormai da anni importanti collaborazioni internazionali e scambi culturali e artistici ai massimi livelli.

Presentato il Catalogo delle Opere dell'Artista Roberta Gulotta

Fri, 12 May 2023 08:11:39 GMT

Presentato il nuovo catalogo dell'artista che racchiude buona parte del suo lavoro, delle sue opere e delle rassegne che l'hanno accompagnata in questi anni..

Dopo anni di mostre, rassegne d'arte ed eventi a livello nazionale ed internazionale, l'artista Roberta Gulotta ha presentato ai giornalisti a Roma (presso i locali del noto ristorante Diego Vitagliano) la brochure aggiornata ed il nuovo catalogo che racchiude buona parte del suo lavoro, delle sue opere e delle rassegne che l'hanno accompagnata in questi anni.

“E’ stato un lavoro emozionante tra i ricordi, - confida l'artista - rivedere il percorso evolutivo dello stile e degli studi fatti nel corso degli anni. Una antologia che mostra il tragitto verso una crescita ed una evoluzione di stili, di uso dei materiali, di idee e colori per un perfezionamento ed un miglioramento, passando per lo studio dei grandi maestri d'arte che hanno fatto la storia quali Wassily Kandinsky, Claude Monet, Giacomo Balla, Salvador Dalì, George Braque, Arman per citarne solo alcuni, sino ad affinare un proprio stile incisivo e deciso con lo studio sul “Tempo”, tema a me molto caro.

“Tempo che scorri inesorabile”, “Alla ricerca del tempo perduto” , “Oscillant in tempore variantes” (ovvero “Il tempo oscilla nelle sue varianti”), “Il mio tempo” sono solo alcune delle opere che hanno fatto il giro del mondo partecipando a numerose mostre nazionali ed internazionali.

“Il TEMPO - spiega Roberta Gulotta - è una dimensione che mi ha sempre affascinato, ed è per questo che ho cercato di raccontarlo attraverso immagini e simbologie che lo potessero in qualche modo raffigurare, cosa assai ardua in realtà, in quanto nulla è più misterioso e sfuggente del tempo.

“Come definire quindi lo Spazio, come lo si può fissare in un semplice istante, data la vastità e la complessità dell'idea?

“Il tempo - prosegue la Gulotta - è una dimensione fatta da piccoli istanti. Un concetto filosofico quindi, o semplice effetto della ‘quarta dimensione’. Quanto è importante per noi la componente fisica universale e quanto il senso di percezione, di Sospensione e dell'attesa nel nostro universo, dell'istante, del qui e ora, del Passato, del Presente e del Futuro e quanto incide sulla nostra sensibilità ed emotività!

“Come raccontare questo incredibile fenomeno che ci accompagna e ci condiziona quotidianamente attraverso la nostra esistenza?

Nel VII° secolo Sant'Agostino nelle Sue Confessioni diceva: “Se nessuno me lo chiede, lo so; se cerco di spiegarlo a chi me lo chiede, non lo so” .

Ecco, io voglio provare a raffiguralo ! “

Nelle opere dell’artista anche riferimenti alla scienza e ai geni del passato come Leonardo Da Vinci, Nikola Tesla, Federico Fellini per un’arte che non dimentichi comunque la storia. Avremo anche macchinari d'epoca, strumenti musicali, omaggi al cinema ed al passato che possano arricchire ed arredare spazi che comunque raccontino.

Studia inoltre tecniche più razionali e moderne come la Digital Art, la realtà virtuale e l'animazione 3D delle sue stesse opere.

IL PERCORSO ARTISTICO DI ROBERTA GULOTTA

Pittrice, scultrice e fotografa, ha esposto le sue opere partecipando a rassegne d'Arte nazionali ed internazionali, presso note gallerie e dimore storiche. Studia e realizza trofei cinematografici, ha ideato, creato e realizzato, in collaborazione con l'Annuario del Cinema Italiano e Audiovisivi, lo specifico Trofeo che l'Annuario assegna ad un personaggio che si sia particolarmente distinto per il suo percorso professionale nel mondo dello spettacolo e del cinema.

È stata selezionata con le sue opere per il Gemlucart, Concorso Internazionale d'Arte Contemporanea nel Principato di Monaco per le edizioni 2013, 2014 e 2015. Annovera tra le presenze internazionali, oltre al Principato di Monaco, anche Nizza, Londra, Berlino, Shanghai, Baden Baden, Miami, Stoccarda, Chicago, Barcellona, New York, Madrid, Emirato Umm Al Quwain, Mosca, Dubai e, in Italia, Firenze, Roma, Milano-Expo, Milano Brera, Todi, Spoleto, Amelia, Assisi, Perugia, Chianciano Terme, Torino, l’Aquila, Scilla, Polo Museale Matteo Pellicone FIJLKAM di Ostia Lido (Rm), Venezia, Quinto Vicentino, Vicenza, presso il Palazzo della Cancelleria Apostolica in Roma.

RICONOSCIMENTI - 1° posto per il premio presso il Complesso Museale dell'Agostiniana. Ha vinto il Premio Internazionale Spoleto Festival Art 2015, Menzione Speciale per OPENART 2016, Premio Internazionale Spoleto Art Festival 2016, Premio Fijlkam Arte - 2016, Premio Creatività per l'Evento Photofestival - Attraverso le pieghe del Tempo Tappa di Anzio 2016, Premio Internazionale Spoleto Art Festival 2017 per la categoria Digital Art, Premio Museo MIIT 2018 per il primo Anno Europeo del Patrimonio Culturale, Premio Venezia 2019, Premio Spoleto Art Festival 2020, diploma attestante il grado onorifico conferito quale Ambasciatrice dell'Arte a Dubai nel 2021, Premio Comunicare l'Europa 2022.